诠释Tang

在北美地区一个很特别的天气现象，深秋的时节，在冬天来临之前忽然回暖的天气，宛若回到了温暖的阳春，于是常叫做——印第安小阳春。
秋天的一段温暖晴朗的天气,往往出现在九月下旬,十月和十一月.爱伦 坡曾把它称做strange interregnum occurring in autumn. Indian summer中的Indian绝对不是指印度,而是指美洲的土著民族印第安人,因为这样的天气出现在美国东海岸中部各洲,北到新英格兰,西至大平原.在英国,人们也开始用Indian summer来代替St.luke's little summer, St. Martin's summer, All Hallows summer表示秋老虎,小阳春这个意思.

1.《二七塔》
　　二七塔是郑州的象征
　　是这个城市的尘柄
　　在二七广场硬挺了这么多年
　　而今被一群大象屁股
　　般巨大肥硕的建筑
　　从四面八方挤着压着
　　虽然还咬紧牙根挺在那儿
　　但萎得已经不成样子了
　　
　　
　　2.《亚细亚》
　　星期天到哪里去？
　　郑州亚细亚
　　风行一时的广告语
　　后来民间流传：
　　星期天到哪里去？
　　打一电视剧名
　　谜底是
　　《虾球传》（瞎球转）
　　转着转着
　　亚细亚商场就跨了
　　
　　
　　3.《碧沙岗》
　　小时侯
　　碧沙岗除了花草树木
　　还有猴子
　　还有山羊
　　还有梅花鹿
　　现在除了人
　　没有其他哺乳动物了
　　
　　
　　4.《绿城广场》
　　可以喂鸽子（小心拉你一身屎）
　　可以放风筝（最近不让放了）
　　可以溜旱冰（免费）
　　可以跳舞（免费）
　　可以看露天电影（免费）
　　可以看公益演出（免费）
　　绿城广场是郑州穷人
　　穷开心的地方
　　周围的环境
　　也特别适合小市民们偷情
　　
　　
　　5.《西流湖》
　　97年夏天
　　热得要人命
　　和伙伴天天跑到西流湖
　　泡在郑州的水缸里
　　直到那天
　　亲眼看到
　　一个偷鱼的家伙从水里
　　网出来一个
　　没有手没有脚没有头
　　的人
　　就再也没有去过西流湖
　　
　　
　　6.《火车站》
　　在郑州火车站
　　不要和陌生人说话
　　在郑州火车站
　　地上有块金子 你也不要拣
　　在郑州火车站
　　混子花子拐子骗子贩子婊子条子
　　诸子登科
　　尔若良善之辈
　　勿在此地久留
　　
　　
　　7.《紫荆山》
　　江湖盛传
　　紫荆山公园
　　是同志们的乐园
　　无聊的我
　　就想在某一天
　　打点容面
　　穿上靓衫
　　以守望的姿态
　　坐在紫荆山的草地上
　　等人过来搭讪
　　然后微笑着对他说：
　　兄弟 对不起
　　俺不是同性恋
　　
　　
　　8.《金水河》
　　那年冬天
　　沿着弥漫恶臭的金水河
　　我拉着她的手
　　从大石桥一直走到郑大眉湖
　　一路沉默
　　因为冷得张不开嘴
　　半路上下起来了大雪
　　到郑大时
　　才发现
　　雪把眉湖下没了
　　
　　
　　9.《齐礼阎》
　　齐礼阎是南郊的一个都市村庄
　　不知道为什么叫齐礼阎
　　也没有兴趣知道
　　这里提到齐礼阎
　　只因为我的一个好朋友
　　在这个鬼地方为了一个女人
　　被一个男人
　　一刀捅死了
　　十年了 凶手在逃
　　
　　
　　10.《古玩城》
　　淮河路上的古玩城
　　我每个月都要去两次
　　一次去买假古董
　　装饰我的博古架
　　一次去买盗版书
　　买了假古董之后
　　剩下的钱
　　只够我买盗版书了
　　
　　
　　11.《合记烩面馆》
　　长长的队从合记烩面馆
　　一直排到人民路上
　　只是为了吃一碗烩面
　　这曾是郑州的一大景观
　　如今看不到了
　　路对面中医学院一附院里
　　排队等着打胎的女人
　　挤满了妇科门诊
　　用不了多久
　　长长的队伍就会
　　一直排到人民路上了
　　
　　
　　12.《光彩市场》
　　老张说
　　郑州的鸡晚上工作
　　上午睡觉
　　下午去做美容
　　或者到光彩买衣服
　　带你去见识见识
　　在光彩市场转了一下午
　　除了唧唧喳喳的小女生
　　除了死气沉沉的黄连婆
　　那有什么鸡啊（有也看不出来）
　　只有两根翘起来的鸡巴
　　
　　
　　13.《动物园》
　　动物园里
　　有一头三条腿的狮子
　　每次去
　　我都会蹲在铁栏外
　　看它老半天
　　不是因为它只有三条腿
　　而是它的神情
　　怎么那么的象我高三时
　　那位动不动
　　就暴跳如雷的班主任
　　我怀疑
　　他的身体里
　　有一头三条腿的狮子
　　
　　
　　14.《跨越时空迪吧》
　　有段日子
　　天天晚上去跨越时空
　　有时蹦迪
　　有时喝酒 随着音乐摇摇头
　　有时真想把酒
　　泼在领舞小姐白白的肚皮上
　　有时真想把酒瓶
　　塞进长发男DJ喋喋不休的嘴里
　　摇啊摇啊药 晃啊晃啊晃
　　不吃摇头丸 照样可以爽
　　你瞧 有小妞过来搭讪了
　　
　　
　　15.《东风渠》
　　有一对狗男女
　　在东风渠边的草坪上吵架
　　吵啊吵啊就动了手
　　男的把女的摁在地上
　　打嘴巴
　　女的拼命翻过身
　　把男的压在身下
　　扯头发
　　一个围观的老头幸灾乐祸的说：
　　不是东风压倒西风
　　就是西风压倒东风
　　
　　
　　16.《文化宫》
　　老张和小张
　　都是我在文化宫
　　打台球时认识的朋友
　　小张其实比老张年纪大
　　但小张面少
　　老张少年老成
　　所以看起来
　　老张的确比小张年纪大
　　我们打球不赌钱
　　谁输的多谁请客
　　就是到中原影院的夜市上
　　吃吃烧烤
　　喝喝啤酒
　　
　　
　　17《银基商贸城》
　　银基商贸城
　　是一个巨大的迷宫
　　一不小心就会迷了路
　　那年张叔海和他的同伴
　　炸开了银基楼下的广发行
　　掠走200万
　　开枪打死一个挡路的保安后
　　杀出一条血路
　　迅速消逝在郑州茫茫的夜色里
　　而今 他坟头的草
　　已经很长了吧
　　
　　
　　18《郑州炮院》
　　郑州炮院
　　现在叫防空兵学院
　　但郑州人还是习惯称它炮院
　　小张在炮院家属院租了套房子
　　作风一贯保守的他
　　最近却常带不同的女人
　　回来打炮
　　我搞不清楚小张
　　是因为住进了炮院
　　才热衷于打炮
　　还是因为热衷于打炮
　　才住进了炮院
　　
　　
　　19《康平网吧》
　　康平网吧的女网管
　　胸部真是很康平
　　打完这一行字
　　不由回头看她在干嘛
　　却发现
　　她正站在我的背后
　　用一副木乃伊的表情
　　对我冷笑
　　
　　
　　20《桐柏路北101号》
　　桐柏北路101号是我的老窝
　　你可以乘55路68路71路76路来看我
　　来看一个野心勃勃的郑州诗人
　　我有一条叫拉拉的金鱼
　　我有一只叫灯灯的猫咪
　　我有一张可以睡下四个人的大床
　　我有一把跟了我十年的吉他
　　我的窗外是片正开花拔尖的芝麻园
　　和一大块绿油油的玉米田
　　远处是裕达国贸尖尖的楼顶
　　和热电厂高高的烟囱
　　更远处是灰蒙蒙的天空
　　覆盖着我的郑州
　　让我又爱又恨的郑州

摄影是最费钱的爱好之一，不仅国内，在国外也是如此，没有相当的经济基础是无法触及专业摄影这个领域，一套设备的价格动辄几万美金，这让大多数对摄影感兴趣的人会因囊中羞涩对此望而却步。有天赋的人因为钱的原因不能踏入这个行业，无疑是件悲哀的事情。那些所谓的专业摄影师则大多是一群满脑袋浆糊的有钱人，当然还有一部分是墨守陈规的“学院派”，前一类没什么可说的，拼设备可能是他们这些年干的最多的事情，有新设备就买，频繁的更新，手里拿着昂贵的器材，但可能都不知道快门在哪里。一辈子估计连一张好片子都没出过。后一类往往被吹捧成“知名摄影家”，有着多年练就的娴熟摄影技术，曝光可以精确到0.1档，为了拍张片子，画面构图可以推敲一个小时。然而，你会发现，他们的片子千篇一律，抄袭模仿已成家常便饭，丝毫没有新意可言，这些人往往会开个影楼或摄影工作室骗点钱花，没什么出息。当然也有自认为不“同流合污”的，常年搞着艺术创作、拍美女、拍裸体、拍行为艺术...... 名为艺术家，实为不折不扣的流氓，大多是搞女人为主；搞创作为辅。这种人以中国摄影师居多，一到车展就他们最忙活，为抢个有利地形，猴脑袋都打成狗脑袋了，恨不得趴模特裙子底下拍才舒服呢；要是拍个人体模特就更不得了了，如果你有机会亲临现场，你可以看看这帮“摄影家”的敬业状态，那色眯眯的眼睛、那留着哈喇子的嘴、那凸起的裤裆...... 众生百态啊。他们津津乐道的是哪个模特乳房屁股大，哪个模特姿势风骚，而流氓用相机能拍出的东西自然也只能成为毛片儿封面，枕边打飞机用的泻欲工具。
　　摄影是为了纪录影像，留下精彩的瞬间，不管它是真实的、虚幻的、惊恐的、艺术的，它的存在一定要有意义，而那些所谓的专业摄影已经背离它的初衷，如果没有新的理念支撑，必定走向灭亡。LOMO的出现则在这个恰当的时候给了专业摄影一记重重的耳光，它是一种反传统的摄影理念，不在乎设备好坏，不在乎技术好坏，甚至不在乎拍什么，只在意影像本身。一台30块钱相机拍出的画面可以让那些手我百万相机的摄影师膛目结舌，这就是LOMO的魅力。
　　近几年LOMO风潮开始席卷全球，国内外的各类LOMO摄影网站人气飙升，LOMO器材销售火爆，LOMO摄影已经成为时尚新人类生活的一部分，如果你不知道什么是LOMO，那你已经落伍了。
　　1991年,几位维也纳学生远赴布拉格，偶然买下了当时已经停产的LOMO lc-a相机。照片冲印出来的效果让他们非常惊喜：色彩夸张的鲜艳、焦点朦胧，四周带有明显暗角，是完全区别于任何一种专业摄影的效果。人们开始用以前认为非常蠢笨的廉价相机来拍片子，这种全新感受让摄影变得如此过瘾，LOMO摄影就此诞生了。
　　LOMO进入中国也就是这几年的事情，但似乎什么东西一来到中国就会变味儿，出现这样那样的问题。举个很简单的例子，洋快餐一到中国就引起轰动，大家排队去吃麦当劳和肯德基，甚至有人会觉得请吃洋快餐比请吃中餐小饭馆有面子，于是就有拉家带口成群结队吃麦当劳的壮观场景，更有在快餐店开生日宴会的可笑事情发生。快餐？什么是快餐？麦当劳在美国和煎饼果子的小摊在中国属于同一地位，你会傻到拉家带口去一煎饼摊过生日吗？呵呵，话说回来，LOMO传到中国后也就面目全非了，很多人以自己玩LOMO自居，花好多钱买那些所谓了“官方正品”相机，估计这些玩LOMO的人可能已经不知道什么是LOMO了。
　　如果你觉得那些所谓的LOMO正品多么多么奇特的话，那让我一个一个告诉你那些“官方正品”究竟是什么，值多少钱。1.HOLGA 现在叫漏光大师，当年天安门旅游纪念品商店有售，最便宜的120相机，10块钱一个，骗外地老乡用的，后来有人登报纸披露，大概意思好像是劣质问题相机骗钱，焦点不实，漏光严重，旅游者争相投诉，结果被下架了。漏光是可炫耀的特点？漏光是由于相机暗盒密封不严造成相机本身存在的严重质量问题，也是很简单的光学原理，任何机器拆除漏光海绵都可以漏光，想漏的大更简单，把相机后盖打开一下再关上就能漏大光，不关上就全曝光，呵呵。2.COLOR SPLASH，色彩心情，实际就是在简易相机的闪灯上加了几个有颜色的塑料片。你随便弄个傻瓜相机，从绿茶的饮料瓶剪下一块，或贴张糖纸在闪光灯上，你就得到同样的色彩心情。3.ACTION SAMPLER 动感四格，这是当年北京亚运会时北照厂出品的一种塑料相机，原理是通过齿轮连动，把一个挡光片依次开启四个镜头达到呈像。全塑料的，批量加工这样的机器成本在10块钱每台吧，量越大成本越低，这机器有一定工艺，自己制作比较麻烦，你可以去老照相厂问问，估计有存货的会以超级低的价格当废品卖给你。4.FISHEYE 鱼眼相机，实际就是在普通塑料相机前面加了一个门镜，俗称“猫眼儿”的东西，两块钱一个。你可以买个猫眼粘在5块钱的傻瓜相机前，达到同样效果。5.针孔相机，16世纪初，意大利画家根据“小孔成像”的原理利用小孔呈像原理制作的简易相机，著名画家达?芬奇在笔记中对它做了记载。他写道：光线通过一座暗室壁上的小于L，在对面的墙上形成一个倒立的像。当然，它只会投影，要用笔把投影的像描绘下来。 你爷爷的爷爷的爷爷的爷爷估计都明白着原理，不是什么新鲜事物。小学手工课上都教怎么做，拿个烟盒扎个孔放两个胶卷轴就是一台针孔相机，成本1块钱。
　　随着LOMO摄影理念的普及，那些所谓的LOMO器材价格也一再飚升，就拿LCA来说，从96年的10美金到现在的2000多人民币，10年涨了30多倍。但中国人还是聪明的，不知是哪个黑心智者弄了个LOMO联盟，联系些濒临倒闭的相机厂，把那些以前没人要的劣质塑料相机包装一下，再起个好听的名字，COLOR SPLASH，鱼眼相机，漏光大师，动感四格，针孔相机，九眼神童...... 以前几块钱都没人要的破机器摇身一变成了官方正品LOMO相机，价格随之翻了几十倍，光缅堂皇的冲入市场，大法横财，合法的骗走了穷学生不知多少生活费。
　　LOMO摄影的初衷非常好，让穷人玩儿摄影成为可能，而以LCA为代表的LOMO相机也不是因为它多么好，多么先进，只是因为它的价格便宜。然而当一个二手LCA的价格可以买几台专业单反相机的时候，LCA又有什么意义呢？90年代初，一台NIKON F3大概机身要卖到两万，而LCA只有100块钱（96年哈尔滨到处都是LCA，60块钱就可以拿下），买不起F3的人买LCA来LOMO一下，很酷，也很聪明。而如今一台二手LCA的价格要2000多，人们争相购买，一台F3的价格不足2000，却无人问津，这不是傻吗？穷人玩摄影，不是傻逼玩摄影，当时是买不起能拍清晰照片的机器而买LCA，现在则是放着比LCA价格还低的专业机器不买，却争着买一个2000多的LCA，实在是太傻逼了！有种放着美食不吃去吃屎的感觉。
　　也许我的观点会让那些LOMO商家顿起杀念，呵呵，不想得罪人，所以我和LOMO区别开，那么就算我的理念是POST LOMO吧。POST LOMO其实就是沿用LOMO最初的态度，POST LOMO摄影不一定非要用LOMO相机，专业的、傻瓜的、胶片的、数码的、自制的、改造的......只要你本着轻松的心态、独特的视角去拍照，还原真实、还原心情、还原生活、或是另类创意，那你的作品就是POST LOMO。
　　每个人都想拥有独特的摄影器材，其实只要你明白一些简单的光学原理，你就可以自己制造或改装一台属于你自己的独一无二的相机。这也是我倡导的POST LOMO摄影中最重要的部分之一。正如我上面所讲，那些卖几百块钱的LOMO相机成本最多只有几十块钱，每个买相机的人只要不傻都能看出来，但为什么还有那么多人买呢？因为它漂亮的外观和独特的效果。如果你可以自己动手达到这样的效果，我想不会有谁愿意花这冤枉钱吧？其实那些LOMO机也不是非常的独特，毕竟是批量生产的，肯定有人用和你一样的机器，如果你改装一台相机，可以节约成本，可以自己设计外观、可以设计自己需要的功能，它将是与众不同的。
　　LOMO摄影不会有大师，LOMO本身就是一种恶搞，因为LOMO就是个玩笑，是来讽刺专业摄影和那些摄影大师的。但POST LOMO可以有大师，真正的大师也同样是POST LOMO的爱好者，不管你用几块钱或几万块钱的相机去拍东西，只要适合你自己，那就OK了，关键不在于设备，而在于用设备的人，把你眼中认为美的，震撼的，感动的，悲伤的一幕纪录下来，这就是POST LOMO摄影。
　　最近生活拮据，写这篇文章花去了我宝贵的时间，并有被商家谴责的危险。如果你看了我的文章豁然开朗，或者避免了当傻逼的机会，那就别白看，尊重一下知识产权，如果你刚好不吝啬，请给我些经济的支持，就当教学费了。请汇款至本人工行账号：9558820200013371085 韩伯健 并默念三遍：“谢谢老韩！”我会毫不客气的接受你对我的支持。后LOMO时代万岁！

是一名合格的国际米兰球迷吗？如果是！你 应该知道：
　　1、我们没有在1921-1922赛季联赛排名垫 底 。（却没降级）
　　2、我们没有在1971 -1972赛季冠军杯1/8决赛中1：7 门兴格拉德巴赫 。 （外 战 失利最悬殊比分）
　　3、我们没有在0 0-01赛季米兰德比中主场0:6 AC米兰。（米 兰 德比 最悬殊比 分）
　　4、我们没有在联赛中1：9负 于尤文图斯。（联赛最悬殊比分）
　　5、我们善 于创 造奇迹 ，我们在02 -03 赛季欧洲冠军杯中以射门3： 34，控球20％：80％淘汰了瓦
　　伦 西亚。 （后者于0 6-07赛际成功 复仇，却 被狠扁了一顿，战火一直 蔓延到更衣室）
　　6、我们没有 在04- 05赛季在联 赛和冠军杯中四次输给 同城对手, 而且没有扔烟花。（ 被4杀的感觉
　　确实不爽 ，扔点烟花 怎么了）
　　7、我 们没有42年不拿欧洲冠军 。（因为主要 目标是联盟杯，
　　不屑冠军杯）
　　8、我们没有 18年不拿联赛冠军 。（18年而已，很长么）
　　9 、我们没有送给 裁判金表并 为裁判建 造健身房。
　　1 0、我们没有办过假护 照 。
　　11、我们球员常服用的赫 雷拉咖啡和诺龙只 是营养 品 。
　　12、我们在 欧洲有很多亲戚。（比如 利物浦和拉科鲁尼亚）补充一点：我们做 的假账是纯洁的。
　　1 3 、我们的一线阵 容中并不是只有3位来自意 大利本土的球员，第二门将托尔多，第三门将 奥兰多
　　尼，
　　和最年轻 的34岁的 马特拉齐。（令人诧异的是我们 的马特拉齐是被顶的人，却还要停赛加全球
　　巡回 道 歉）
　　14、我们 也 不是黑洞。（因为从我们队郁郁不得 志的队员大都能在别的俱乐部打上主力，比如博
　　格坎 普、卡纳瓦罗、皮 尔洛、 西多夫、大罗、罗伯特·卡洛 斯、卡隆、马丁斯、沃姆等等）
　　15、不是 黑洞的依据 第二条：以 下球 员不是国米 毁的。（鲁本索萨、保 罗索萨、因斯、琼克、冈
　　茨、温特、卡 努、威斯特、达尔马、 帕 努齐、万佩 塔、哈坎苏克、 罗比基恩、德莫 劳德、希尔维
　　斯特、科科、莫雷 罗、尤戈维奇、耶奥加托斯、 加马 拉、科埃、 佩鲁济、弗雷、文托 拉、范德 梅
　　德、埃姆雷、奥坎、贝 尔戈米、阿达尼、卡里尼、维埃 里、潘采夫）
　　16、 我们是豪门俱乐部里面鲜 有 的几只未出过世界足 球先生、欧洲足球先生的俱乐部。 （那都是
　　虚名）
　　1 7、我 们财政上很富裕，在买人上 常 有大手笔 ，不愧为世界级俱乐部。（别跟我谈 成绩，现在谈
　　的是大手笔）
　　18、 我们在财政上也有省钱的 地方，
　　
　　比如我们不用聘球探。（隔壁球探看 中的球员绝对错不了）
　　19、我们 经常 接济没钱的俱乐部。（ 因 为不好直接 给钱，所以把阿德一半所有 权先低价卖给帕尔
　　玛，过一年再高价买回来 ，
　　嘿嘿，谁也说不出 什 么）
　　20、我们没 有趁人打欧冠附 加赛时抢伊布。（虽然伊布的人品和忠诚度差了点，
　　但是人家能进 球啊，
　　谁会在乎那么多）
　　21 、我们的 死对头AC米兰和尤文图斯在联赛和杯赛里总合伙欺负我 们，所 以我们才装 窃听器黑死
　　他们俩个。正所谓 人不犯我，我不犯人；人若犯我，我必装窃听器。（意大利足 协 帐务核查机构
　　[COVISOC]的发言 人说：“ 国际米兰如果不通过做假帐以及更改资金额度来掩盖 账目 上存 在的问题
　　，他们就不会获得05 /06赛季的意甲联 赛注册资格。”）
　　22、我们的血都 是蓝黑色的。 （…… ）
　　甲:你喜欢足球吗?
　　乙:是的,我非常喜欢.
　　甲:那么你支持什么球队?
　　乙:国米.
　　(5秒过后 )
　　甲:你刚才不是说你喜欢足球吗??
　　问:国米球迷在国米夺得联赛冠军 、冠军杯冠军后会做什么 ?
　　答:关上PS然后睡觉.
　　顾客:为什么这场比赛(03/04赛季米兰-国 米)只有上半场?
　　售货员:因为这是国米俱乐部出版的.
　　(国米上半场2比0领先,下半场米兰大翻盘)
　　甲:你从 牙医那出来看到了什么?
　　乙:我看到一个尤文球迷,牙齿被染成了黑色和白色.一个罗马球迷 ,笑起来牙齿看 到一点黄和一点红.
　　甲:然后……
　　乙:一个米兰球迷,笑起来牙齿有一点红和一点黑.
　　甲:然后…… .
　　乙:最后是一个国米球迷,但看不清牙齿的颜色.因为他们已经很长时间没有笑过了.
　　世界上最 短的笑话:国际米兰.
　　接见完球员之后，总统接见了三个俱乐部的高层领导。他还特意钦点已 经“退位 ”的莫拉蒂前来。他让大家介绍一下各自最遗憾的时刻。
　　尤文经理莫吉先说：“我没什么遗憾和痛 苦的，如果 非要说，那就是冠军联赛决赛的最后15秒。”
　　“我也没什么遗憾。”加利亚尼说，“除了丰田 杯的最后15 秒。”
　　最后轮到莫拉蒂，“我也没有什么痛苦和遗憾，除了最近15年。”
　　总统又问：“ 如果又有 一个主力后卫受伤了，你必须要买一个人，你们怎么办？”
　　莫吉首先回答：“我会买一个新人后卫 ，你知道，
　　大牌很贵的！”
　　加利亚尼说：“我会买一个老将，姜还是老的辣嘛！”
　　莫拉蒂轻蔑地看了这 两位，自信地 大声说道，“再买一个前锋！”
　　雷科巴急冲冲地对莫拉蒂说：“老板，请你一定要把联赛冠军 给抢过来 ，我这可是第一次。”
　　“可恶，你以为我是第二次吗？”莫拉蒂答到。
　　有一个球迷问上帝，国 米什 么时候能拿意甲冠军，上帝脱口而出“明天”。
　　那球迷有点疑惑问“你开玩笑吧？”。
　　上帝转过身 去无奈 的叹口气默默的说到：“是你先开玩笑的！”

kiehl's 是美国牌子，下面的文章很长，但有针对所有的皮肤介绍了他的所有招牌产品，慢慢看吧，挺好的
　　
　　Kiehl's 将我们平时一般分为三类的皮肤类别分成了6种之多：极干/干/中偏干/中偏油/油/极油~我觉得这个相当有意思，因为油性/干性的程度其实是有很大的区别的！
　　极干：感觉很干燥，极度紧绷，经历脱皮情况
　　干：感觉干，有紧绷感，曾进有脱皮问题
　　中偏干：T位没有问题，但是脸颊紧绷，冬天有脱皮问题
　　中偏油：T位油亮，脸颊舒服，偶尔会遇到粉刺的问题
　　油：脸部中心泛油，洗脸后几小时后就出油，有豆豆问题
　　极油：全脸的油，早上起床就泛油，豆豆问题严重
　　大家先对号入座，等下回来讨论应该要用什么哦。。。：）
　　
　　我们从极油开始吧：
　　洁面：泥土燕麦牛奶洁面乳NO.2
　　这是一款质地温和的乳液状洗面奶，带有泥土的成分，虽然听起来怪怪的，但是泥土可以轻柔的去处脸部多余的油脂和污垢，同时也不会让你的脸部觉得干燥哦！很不简单吧？
　　燕麦牛奶就给肌肤增添柔嫩滑顺得质感。
　　tips:按摩后要停留30~60秒哦，那样才能达到最好的效果呢。。！
　　2号是比较强劲的一个~主要针对油性/极油的痘痘肌！
　　再来一款：蓝色收敛洁面露
　　宝蓝色的液体，让我真的有喝的冲动，太漂亮了！不过担心喝了会变 这样。。。哈哈。。~
　　这是一款完全不含油脂的凝胶状洗面露，能过彻底的洗净堵塞毛孔的污垢，当然咯，没有无毛孔杜塞的问题，痘痘也就不攻自破了。。。嘻嘻
　　
　　OK~接下来，我们来看看适合巨油MM/GG的水水~
　　
　　蓝色收敛水
　　据说这是一款很多好莱坞明星使用的Toner.历史好长啊~1964年就问世了，堪称K家最成功的产品！能有效收敛，舒缓肤质！最适合油性皮肤，当然咯，痘痘肌可以局部使用的！很多很多的大明星都是一用就爱上它了，控油巨好，从此就远离油光满面的日子了~而且也没有香氛~男孩子也一样好用的！
　　上">面霜了哦 ：
　　蓝色控油保湿乳
　　
　　一款绝对无油的保湿乳~（我家小二又要抓狂了，我可是花了1个多小时才和他解释清楚，什么是无油黄油阿~5555。。。“无油。还叫黄油吗？” ）有效解决痘痘肌即缺水又怕油的大问题。最大的特点就是容易吸收~涂上去，就不见~有效清除黑头和白头，促进痘痘愈合，再次呈现水嫩细腻的皮肤！（基本上蓝色系列就是痘痘肌/油性皮肤的大救星）
　　
　　油性的产品大全:（因有些产品同时适合多种皮肤，如果上面介绍过了，我这里只会简单提一下）
　　
　　洁面篇：
　　不含皂素洁面乳泡沫 (Foaming Non-Detergent Washable Cleanser)
　　这款洗面乳的最大特点就是不含皂素，所以敏感并且偏油的jms的救命良药。它可以彻底清洁不留杂质。使用以后瞬间就能感受到肌肤舒爽光滑，滑溜溜的呢~
　　油性的JMS也可用泥土燕麦牛奶洁面乳NO.2 ，">还有蓝色收敛洁面露（见极油篇内介绍）
　　化妆水篇：
　　茶树油条理">化妆水: "茶树油调理化妆水,加入独特的茶树精油配方,可以去除脸部多于杂质,只留下柔软清新的皮肤. 这款化妆水完全不含酒精,以茶树精油为基础,混合多种植物经油+植物萃取精华,有镇静+舒缓+收敛三重效果, 对于有豆豆问题的油性/中偏油肌肤可说是最适合的水水了!
　　同样的~蓝水也不仅仅适合极油的肌肤, 同时也可以用于油性的皮肤!
　　面霜篇 :
　　无油清爽保湿霜(Sodium PCA Oil-Free oisturizer)
　　PCA是一种特效的保湿物质，而sodium可以从空气中吸收水分让脸不缺水问题得到完全的解决！小ba给我解释了半天我才能明白的~哈哈~ （化学极差 ）最奇怪的是这款乳霜既不是乳液也不是着哩，而是居于两者之间！及滋润又无油，很喜欢她的药罐设计，完全摆脱化妆品包装华而不实的感觉。
　　
　　>OK终于来到最多MM关心的中偏油部分了~
　　洁面篇：
　　一样是泥土燕麦牛奶洗面奶，不过这次是#1
　　很多人多不习惯没有泡沫的洗面奶~我也是其中之一，但是这款洗面奶，最好的地方恰恰是无泡沫配方，清洁的同时不破坏脸部肌肤天然的保护膜。泥土配方就是他去除污垢的秘密，使用的时候，要轻轻按摩，然后让他停留30~60秒，让养分渗透到肌肤里，同时也让泥土吸取皮肤的油垢。这款洗面奶（#1）适合中偏油/豆豆肌
　　在化妆水部分，我们将看到大名鼎鼎的金盏花水，这是我至今为止用到过最赞的水水！
　　
　　清晰可见的金盏花花瓣让我对它的第一印象就是一百分，迫不及待的打开瓶盖，淡淡的花香证明了他是个完全没有添加人工香氛的宝贝。无酒精的植物萃取精华液，可以有效调理中偏油的肌肤。温和滋润，即使在开着暖气的卧室，也一点感受不到干燥（这就是我最爱她的地方，几乎所有的控油抗豆产品，都或多或少的令皮肤干燥，只有它例外）它含有收缩毛孔的牛蒡萃取物，毛孔在不知不觉中，渐渐缩小。同时也还有可以改善皮肤敏感的金盏花萃取物，能帮助豆疤的愈合。
　　如果你是中偏油，但是却没有豆豆问题？那应该用什么化妆水呢？
　　答案就在下面了，慢慢看哦！
　　莓果植物精华化妆水
　　这款水水最大的特色是舒缓皮肤压力，就好像给皮肤做一次spy一样。可让皮肤的颜色更加均匀，含有特制的舒缓因子，给皮肤带去更加润能得触感和活力！如果你仅仅是T-zone出油，但是却没有豆豆，敏感这些烦人的问题，我更建议你选择这款水水，因为价格差不多只有金盏花的一半哦！
　　面霜来咯！
　　特级全效保湿乳液
　　好的保湿乳液都有一个特点，那就是迅速吸收，这款保湿乳也是这样，抹上去“唰”就不见了。从多种水果种萃取的天然保湿成份，提供肌肤最佳的保湿度。你知道它里面蕴含了多少种水果吗？天。。橄榄，酪梨，核桃，甜杏仁。。。等等~ 简直就想流口水了! 还有一个秘密说~价格也不算太贵啊。。比碧欧泉还便宜点点~
　　下面一样东西好想很多人都感兴趣呢！（番茄保湿乳）
　　可能是我胃不好，一直以来都对番茄敬而远之~听到这个名字心里已经开始抗拒了
　　是一款抗氧化效果极佳的保湿产品，比较适合25以上对于抗衰老有一定需要的MM.太年轻了我觉得有点点浪费。。东西没有好不好，只有是不适合。论坛上很火的一个宝贝，中偏油的妹妹只能用乳液，而中偏干的肌肤可以使用霜状的~其他类型的肌肤基本上就不大适合了。
　　到现在为止~中偏油--〉油性部分告一段落~明天开始联播干性~中偏干：）
　　最近真的忙了点，不好意思啊！
　　不过有点好消息要告诉淘宝的JMS！沁沁的小店上个月总营业额超过1万了~加油加油~但是利润空间小于10%，盈利情况有点勉强。不过没关系，我会继续努力的~（其实给我劳工的朋友骂死了，“化妆品的利润没有50%，谁做啊，两个小白痴“ ）
　　
　　言归正传了！争取再去美国之前给大家写完脸部介绍！
　　
　　大家期待已久的中偏干开场le:
　　
　　
　　洁面篇：
　　轻柔泡沫洁面：
　　
　　它含有细腻的泡沫~，要轻轻的按摩才能得到最好的效果哦~。即可以温和的清洁脸部肌肤，又来给你滋润的效果。一举两得哦~（天，怎么我现在一说话就像广告阿~晕 ）这款最好的地方就是符合中偏干得特别需要，清洁+滋润两不误！
　　
　　讲到水水，给中偏干的妹妹的，当然少不了因为大s的美容大王出尽风头的小黄瓜水：
　　事实上，你真正买回家的小黄瓜水，并不是这样透明的，而是深绿（墨绿）色的。摇晃以后，能看到银色的线条（在论坛上看过有人说，那是什么什么反应的,不记得了，不过那样才是真地说）
　　特点：温和不含酒精
　　可以用均匀肤质，特别针对中偏干~干性/敏感性皮肤设计，用后皮肤柔嫩，增加透明感！
　　
　　面霜类：
　　
　　特级保湿乳液（这个在中偏油的时候已经介绍过了）
　　
　　
　　
　　番茄保湿霜：
　　
　　大名鼎鼎的番茄保湿霜，价格有点小贵~小小一瓶（40G)价格在6百左右（这还是良心价哦），涂抹的时候可以闻到淡淡的酸味，不知道是不是我嗅觉太好了。。哈~去美国的时候在手背上试了下~感觉还不错，很滋润，吸收非常好。合同系列的乳液一样，结合抗氧和保湿多重功能~我同学买了一个乳液~偶打算有空去卡油 ~细细。。小BA送了很多小样，先用完再决定要不要。。这个宝贝里有3样东西，茄红素+胡萝卜素+维E。。

上次在安润耳机商城跟一个资深音响人士聊天时他说，现在返修的很多耳机都是在煲机的时候方法不当坏掉的，“要是方法得当，煲好以后正常情况下几年也不会坏的。”，又说到一个很夸张的例子，一个自称是“清华大学”的用户买了一个几百元的耳机回去以后，用电脑上的“频率发生器”产生20Hz的声音，然后用耳机接声卡试听，要“煲低频”，并且看看耳机究竟能不能达到标称的20Hz下限值！当然结果是耳机拿回来修了。
　　
　　　　他们特意就此写了警示文章，摘引：“在这里我们想请读者注意，20Hz是人类的听音极限，就是说在20Hz时人类的耳朵刚刚开始有知觉（肯定还有一部分人根本就听不到），在20Hz的情况下人耳朵的灵敏度极低，要使耳朵听到声音，势必要使之振幅极大。在这种情况下，小小的的耳机怎么能不打底，又怎么能承受得了。因此读者应记住千万不要用这种方法来试验耳机，这是十分错误和有害的。举例来说人耳对3000Hz的灵敏度与对20Hz时的灵敏度会相差20～80dB,我们知道灵敏度每相差3dB推动功率就差两倍，同样的，差6dB就差4倍，差9dB就差8倍。那读者估算一下如果你要听到 20Hz要输入多大的功率？而且20Hz的信号势必要使震膜的振幅极大、同时音圈的阻抗降低，电流急剧升高，使音圈发热变形，进一步导致震膜变形，造成破声、蹭圈等永久性破坏，即使是短时间的试听也会使音圈打底的。”
　　
　　　　同样，用一些频率发生软件来煲耳机也是很危险的，固定频率的强电流轰击很容易损坏新耳机舒张度不够的震膜。前阵有个网友在QQ上求救，说他的一个400元的耳塞出现破音了，我说你是不是用软件煲来着，他说对啊你怎么知道啊，我都煲了2个多小时了……。——如果说这些专业的软件有用的话，那只能是专业音响技术员用适当的方法很小心地在特定的设置、输出功率和时间等等因素综合下，对耳机的“磨练”，普通用户如果用这种工具，一不小心就会弄坏耳机，即使是使用了很久的旧设备在这样的“折磨”下也可能挂掉，更不要说脆弱的新耳机了！
　　
　　　　此外，也有许多人喜欢用强劲的音乐来煲，比如重金属摇滚、电子舞曲，而且开很大音量，这同样会很快造成耳机夭折或产生噪音。特别是如果刚打开包装便用大音量强音轰击，那么即使是素质很好的耳机单元也受不了。——只有在完全煲开以后，能够承受的“磨砺”就相当大了。
　　
　　　　唯一普遍适用的煲耳机方法是“渐进”，刚开始用轻柔一些的音乐，在较低音量下让耳机先舒缓10-30小时，然后用普通的音乐（摇滚、舞曲除外）在中等音量状态煲100-200小时；如果这时你听着高音不刺耳了，变得圆润自然，中音温暖亲切，低频再也不是混成一团的轰隆隆，而充满细节，那就恭喜，OK了，绝对不能急功近利

           欧莱雅集团
　　　　欧莱雅集团是当今世界上最大的化妆品集团，创立于1907年,现在欧莱雅集团
　　　　最大的两大股东是欧莱雅品牌创始人的独生女贝当古夫人和雀巢集团旗下品牌按照定位区
　　　　分：
　　　　顶级品牌：HR（赫莲娜）是旗舰产品
　　　　二线产品：Lancome（兰蔻），Biotherm（碧欧泉）
　　　　三线或三线以下产品：L'Oreal Paris（欧莱雅），kiehl's（契尔氏），美爵士、Garnier（卡尼尔），O
　　　　mbrelle，羽西，小护士，INNEOV
　　　　彩妆品牌：CCB PARIS、shu uemura（植村秀）、Maybelline（美宝莲）
　　　　药妆品牌：Vichy（薇姿），LA ROCHE-POSAY（理肤泉）、SkinCeutica
　　　　ls(杜克)
　　　　香水品牌：Giorgio Armani Parfums（阿玛尼）， Ralph Lauren Parfums（拉尔夫*劳伦、POLO）,cacharel Parfums（卡夏尔），VIKTOR&ROLF
　　　　发用品牌：KERASTASE卡诗、MATRIX、MIZANI、REDKEN、SOFTSHEEN CARSO
　　　　
　　　　
　　　　
　　　　宝洁公司集团
　　　　排名第二是宝洁公司
　　　　顶级品牌：SK-II（Maxfactor）---就是蜜丝佛陀
　　　　二线品牌：Olay（玉兰油）、Illume(伊奈美)、Always、Zest
　　　　男士品牌：Boss Skin、
　　　　彩妆品牌：Cover girl（封面女郎）
　　　　亚洲区第一彩妆品牌：ANNA SUI（安娜苏）
　　　　香水品牌：Hugo boss、Locaste、ANNA SUI（安娜苏）、 Escada（艾斯卡达）、Dunhill（登喜路）、Valention、Lanvin（朗万）、Paul Smith（保罗史密斯）
　　　　洗护品牌：飘柔、海飞丝、激爽（刚淘汰）、潘婷、润妍、沙宣、伊卡璐(Clairol)、舒肤佳、Wella（威娜）
　　　　
　　　　
　　　　
　　　　雅诗兰黛集团
　　　　第三是雅诗兰黛集团
　　　　顶级品牌：La Mer（海蓝之谜）-----港台翻译为"海洋之蓝"
　　　　一线品牌：雅诗兰黛
　　　　二线品牌：Clinique（倩碧）
　　　　三线品牌：Stila、Origins（品木宣言）、Prescriptives、、Aveda
　　　　（肯梦）和Jo Malone
　　　　顶级限量彩妆品牌：Tom Ford（汤姆福特）
　　　　彩妆品牌：Bobbi Brown（芭比波朗）、M.A.C（魅可）.
　　　　香水品牌：Tommy Hilfiger（唐美希绯格）、DKNY（唐可娜儿）、Aramis（雅男士）
　　　　开架品牌：BeautyBank（目前仅在美国Kohl's百货售卖，总共推出了Flirt!、American Beauty、Good Skin及以Grassroots 4个系
　　　　
　　　　
　　　　资生堂集团
　　　　顶级品牌：Cle de Peau（CDP）、IPSA（茵芙莎）
　　　　二线品牌：Ettusais（爱杜莎）、CARITA 凯伊黛 、Decleor 思妍丽
　　　　底线品牌：Shiseido Fitit、Asplir（爱泊丽）、DeLuxe、ff 、SELFIT（珊妃）、Whitia（白媞雅）、FT Shiseido、泊美
　　　　彩妆品牌：Maquillage
　　　　男用品牌：UNO(就是吾诺)、俊士
　　　　中国专售：AUPRES欧珀莱、Za姬芮
　　　　香水品牌：Jean Paul Gaultier 、三宅一生
　　　　洗护品牌：Shiseido Professional
　　　　
　　　　
　　　　
　　　　联合利华集团
　　　　日化品牌：力士、夏士莲、旁氏、奥妙、中华、洁诺、凡士林、金纺
　　　　食品品牌：立顿、和路雪、京华茶、嘉乐、四季宝、好乐门、老蔡调味品
　　　　Elizabeth Arden（伊丽莎白.雅顿）1989年被联合利华收购
　　　　
　　　　
　　　　
　　　　LVMH集团
　　　　护肤品牌：Guerlain（娇兰）、Christian Dior（迪奥）、纪梵希（Givenchy）、Dom Perignon（唐-裴利农）、Bliss、CLARINS(娇韵诗)
　　　　彩妆品牌：Makeup forever(浮生若梦)、BENEFIT、Cosmetics、Acqua di Parma 、Fresh、SEPHORA（丝芙兰）
　　　　香水品牌：KENZO（高田贤三），fendi(芬迪)，Celine（赛琳）、LOEWE、DOLCE&GABBANA（杜嘉班纳）、CHAUMET（舒维）、CalvinKlein（CK）、Christian Lacroi
　　　　
　　　　
　　　　
　　　　Chanel（香奈儿）集团
　　　　Chanel（香奈儿）目前是独立的。
　　　　
　　　　
　　　　
　　　　
　　　　韩国爱茉莉太平洋集团
　　　　顶级护肤品牌：Sulwhasoo雪花秀、Innisfree（悦诗风吟）-----因为销售不佳,即将从国内撤柜、HERA
　　　　二线护肤品牌：Laneige （兰芝）
　　　　一般护肤品牌：Mamonde（梦妆）、Iope、LIRIKOS(蕾俪蔻)、VERITE
　　　　彩妆品牌：ETUDE（爱丽）
　　　　男士护肤品牌：豪男
　　　　香水品牌：Lolita Lempicka（洛俪塔）, Castelbajac Parfums 、Espoir艾丝珀
　　　　洗护品牌：Misen en Scene
　　　　
　　　　
　　　　
　　　　LG集团
　　　　顶级护肤品牌：O HUI
　　　　二线护肤品牌：Isa Knox爱之浓思、海皙蓝、LaeVert（莲婷）
　　　　底线品牌：曼丽妃丝、缇兰
　　　　
　　　　
　　　　
　　　　Kanabo嘉娜宝与美伊娜多
　　　　嘉娜宝集团属于日本钟纺集团,这个是日本排行第二的化妆品品牌.(第一是资生堂)它的子品牌很多,一般来说日本本土品牌要优于合资品牌,比方说雅呵雅,品质大概相当于嘉娜宝的超市装产品.
　　　　美伊娜多属于日本美伊娜多化妆品株式会社,由苏州百美进行生产,号称世界50大品牌之一.总的来说过敏率和不适用比较多,部分产品使用过后皮肤出现干燥状况.

Indie

放到音乐范畴中，Indie是一种态度，一种音乐人对于音乐创作的态度，推而广之，它同样也是听乐人对于音乐取舍的态度，我们听音乐或多或少都是在慢慢形成自己的音乐取向，形成一种不受外界干扰的独立态度，因此有必要时时Check Your Attitude，保持清醒头脑。
如果拿出一张90年代（尤其是90年代末20世纪初）的唱片，我们会比较容易判断出一些典型的音乐风格，如Metal、Punk、Country、Folk、Dark Wave、New Age、World、Electronic等等，因为这些音乐风格的音乐实在是太让人印象深刻并且各自特点也很分明，但是如果这张唱片并不是以上这些分明的音乐风格，那么它很有可能就是Indie Rock。
Indie Rock脱胎于80年代的地下音乐和另类音乐，盛行于90年代至今，其所崇尚的DIY精神直接源自Punk，但是其音乐取向却又杂糅各家，因此衍生出不少不同或是迥异的分支类型，所以你仅仅知道是Indie还不行，因为这个词说明不了任何音乐上的东西，也就是说你从这个词得不到确切的音乐感觉，所以你或许还要了解什么是Dream Pop、Chamber Pop、Sadcore、Slowcore、Indie Pop等等，知道这些以后或许你还会有问题，如为什么有的Indie Rock同时还会是Post Rock、Experimental、Neo－Psychedelia、Shoegazing、Lo－Fi这样一些风格，如果再深入，你就会发现这些风格和Indie Rock实则有着千丝万缕的联系。
好了，对于Indie的纵向横向你都有所见解后，你的眼前就会呈现出一幅90年代后的摇滚图景，或许还比较模糊，那是因为你还不了解其他音乐年代和90年代的关系，不要紧！对于音乐你只要窥其一角就已足够你去花时间了，当然我们仍然需要适时地拓宽自己的听乐范围。
以上纯属个人己见。以下是一些从AMG拿来的相关介绍文章，当然都是和Indie有关的，AMG对于Indie的有关介绍还是不错的，结合你之所听，你会渐渐把握住这种音乐类型的特点。
最后要说的是听音乐过程中最重要的是要有自己的观点、见解，要有特立独行的态度，这也是Indie的精髓所在。

Indie Introduction

第一部分 Indie简单介绍

Indie的称呼取自“independent”一词，被用在那些在音乐上坚持DIY（Do It Yourself）精神的乐队以及那些低预算的小厂牌所推出的唱片。尽管最大的Indie厂牌会与主流厂牌有销售方面的交易，但是这些Indie厂牌的对于音乐的Decision－Making还是拥有绝对的自主权，因此他们有更多的自由去发现那些不为主流听众所知的音响、乐感或是其他的富有情感的主题，然而另一方面他们推出的这些音乐也许并不会带来和其音乐品味成正比的收益（即使是Indie厂牌其实也想在商业上能够坚持，并不是为了音乐而全然放弃商业，这里可以看出Indie是一个相对的称呼）。
Indie Rock深深植根于美国的地下音乐（American Undergroud）和80年代的另类摇滚（Alternative Rock）。在当Nirvana步入主流后，这些American Undergroud 、Alternative Rock即行分化，一部分跟随着Nirvana进入主流（同时也宣告整个Alternative Rock步入主流），而另一部分未能进入主流或是坚持独立姿态的则便是Indie Rock，正因为Alternative已为主流，而这些乐队所持的独立姿态，因此其称呼上就由Alternative而为Indie。Indie Rock是对Nirvana步入主流所产生的一种现象的回应，这种现象就是并不是所有的Alternative乐队成功过渡为主流抑或是这些乐队原本就不想。
但是你不能说所有的Indie Rock都不商业，比如当Indie Rock借助Punk而实现其商业化（这些乐队风格好像叫做朋克复兴“Punk Revival”）时，你就不要认真地去介意它是Indie还是主流。其实公认观点一直就认为Indie Rock从就不会改变它的音乐取向而迎合主流听众，也就不可能成为主流听众的首选。这其中的原因也是Indie音乐的特点所决定的，如主流听众一直就认为这样的音乐：太古怪和无知（too whimsical and innocent）、太不可思议（too weird）、太敏感和太忧郁（too sensitive and melancholy）、太轻柔和太脆弱（too soft and delicate）
、太空幻和太令人催眠（too dreamy and hypnotic）、太个人化和歌词的潜在启示（too personal and intimately revealing in its lyrics）、在制作上太低质和太低预算（too Lo-Fi and low-budget），在旋律和吉他Riff上太有棱有角（too angular in its melodies and riffs）以至于形成更所的分支，就拿吉他噪音来说就有好几种不同风格（Sonic Youth/Dinosaur Jr./Pixies/Jesus & Mary Chain-style）。
进入90年代以后，Indie Rock产生了很多不同的分支（比较为人熟知的有indie pop, dream pop, noise-pop, lo-fi, math rock, post-rock, space rock, sadcore, and emo），所有的这些Indie乐队正是构建当今美国地下音乐的中坚力量。

第二部分 Indie Rock各分支（纵向）

Indie Pop

你可以把Indie Pop看作是一种更有旋律、更少吵杂以及更少焦虑的Indie Rock类型，它所折射的是地下音乐柔和、唯美的一面。Indie Pop的音乐更着重于声音的融洽、音乐的编排以及歌词的创作。在从Chamber Pop华美的管弦乐编曲到Twee Pop的简单直率中，Indie Pop所包含的一切，其焦点或者说这种音乐的侧重点一如都是歌曲多于声响。
尽管Indie Pop和Indie Rock都信奉朋克的D.I.Y（Do It Yourself）精神，但是前者反对朋克的虚无主义态度以及音乐上的声音碾磨处理。

Noise Pop

作为另类/独立摇滚的一个分支，Noise Pop顾名思义就是有一些吉他回馈、音调不谐和声音磨损包装风格的流行音乐。它占据了介于Bubblegum（<美俚>泡泡糖摇滚舞曲）和avant-garde（前卫音乐）的中点，是传统流行乐创作手法和略富攻击性的白色噪音（White Noise：用以掩盖令人心烦的杂音）的碰撞结果。
当Noise Pop的旋律飘忽于涡旋吉他所营造的声场中时，其音乐经常会给人一种朦胧、麻醉和催眠的感觉，当然Noise Pop可以是欢快活泼的，也可以是棱角分明、富有挑战性的。
最早期的Noise Pop植根于the Velvet Underground的诸如回馈、失真等音乐实验，然而更被公众认同的Noise Pop起源乐队是美国另类摇滚乐队Sonic Youth和Dinosaur Jr.，是他们将摇滚乐构架与粗重的吉他失真融合在了一起。第一支正规意义上的Noise Pop乐队则是the Jesus & Mary Chain，它以1986年的首张唱片Psychocandy崛起于地下，几乎同一时期还诞生了可以说是最多产和最具生命力的Noise Pop乐队Ya La Tengo，其首张专辑也于此时推出。
在80年代末，Noise Pop引发了英伦的Shoegazing（自赏）运动，自赏音乐更加内省，其旋律更加脆弱。在90年代，Noise Pop仍继续对Indie Rock产生着重要的影响。

Slowcore

Slowcore实在是以其音乐缓如蜗牛的速度而著称，音乐的旋律与节奏始终给人一种游离、徘徊、缓慢推进的感觉，所有这些还都被乐器营造的厚重、昏暗的声场所笼罩。尽管Slowcore有时会与类同的Sadcore纠缠不清，但是基本上Slowcore的音乐更加注重音乐多于注重抒情。

Sadcore

基本上Sadcore是另类/独立摇滚的一个分支。Sadcore音乐是柔缓、脆弱和感人肺腑的，通常由失望的情感所激发并且也会使听者感到一种伤感、失落。Sadcore的音乐都会集中在一些难忍的悲伤、失落、心碎等情感主题上，其自身则毅然决然地低调：作为Singer/Songwriter风格标志的Acoustic Guitar在这里被赋予全新内涵，然而Sadcore的音乐并不会去营造一些黑暗声场下的不和谐或是强烈的音效。像American Music Club和Red House Painter这样的Sadcore乐队将他们痛苦和悲伤的情感融入其音乐之中，给人一种冷艳的凄美，一种很适合深夜独自聆听的音乐。

Dream Pop

梦幻流行乐是一种更讲求氛围的另类摇滚类型，在音乐上声响和旋律并重。这种音乐的特点是经常会有如呼吸般的主音并配以随之漂移的吉他或是合成器所营造的氛围音场。Cocteau Twins以他们的那种几近无法辨认的主音和缥缈的音场被认为是Dream Pop音乐的典型，然而Dream Pop亦包括了一些其他不同的体裁分支，如还包括了像Galaxie 500这样的后Velvet Undergroud吉他摇滚风格，还有My Blood Vatentine似的声响回馈风格，但不管怎样Dream Pop的音乐很注重音乐给人的声响质感，而这种效果往往是用独具特点的器乐和主音来达到。

Riot Grrrl

Math Rock

Twee Pop

第三部分 与Indie Rock相关其他音乐类型（横向）

Post-Punk

1977年的朋克革命后，很多乐队应运而生。这些乐队都是被朋克的独立精神所激励，当然也包括了朋克原始粗糙的声响。但是这些乐队不是简单地去重复像Sex Pistols乐队那样的音乐，他们将音乐的触角延伸至更为实验的领域，从诸如Roxy Music、David Bowie以及T.Rex这样的乐队音乐中汲取养分融入自己的朋克音乐中，这些乐队即是我们所说的后朋克。
这些乐队音乐的共同点是反传统文化精神和蔑视、颠覆既定的摇滚传统，很多这样的乐队（如Joy Division或是The Cure）都采用电子合成器和吉他营造出黑暗阴冷的音场，还有一些乐队虽然采用相对较轻缓的音乐处理，但是他们的歌词和音乐则完全推翻传统意义上的摇滚乐结构而凸显失衡。
后朋克乐队最终在80年代转变为另类音乐。

Alternative Pop/Rock

另类音乐原本泛指那些从80年代中期到90年代中期出现的后朋克（Post Punk）乐队。尽管另类音乐有多种音乐类型，但是它们的共同点就是全都游离于主流（mainstream）之外。
从某些方面来说，以Nirvana乐队在1991年的成功为分界点可将另类音乐分为两拨：一拨是80年代的另类乐队，这些乐队当时都是在一些独立音乐厂牌下，即使有些乐队在主流厂牌下，但是他们往往得不到与公司其他主流乐队同样的支持，整个80年代的另类音乐包含广泛，如jangle pop, post-hardcore punk, funk metal, punk pop, and experimental rock等；另一拨则是在Nirvana步入主流后，以上所说的各种另类音乐类型之间的界限便越发模糊，其原因就是此时的另类音乐已经是主流市场的一部分了（既然是主流了就无必要再细分各种类型），这其中的Hard Rock和有朋克根源的乐队甚至比那些在80年代末期独领风骚的偏流行的另类音乐还要商业化，这时的另类音乐完全失去了原有的非主流意义。90年代后大部分的实验摇滚乐队被归入到Indie Rock。

Grunge

由于在音乐上采用源于the Stooges 和 Black Sabbath这样乐队的泥泞黑暗的声响，Grunge实际上是重金属（Heavey Mental）和朋克（Punk）的混血儿。尽管Grunge音乐的吉他弹奏直接师自70年代早期的金属乐，但是Grunge的美学却与金属乐相去甚远。Grunge音乐所具有的激情宣泄和音乐抨击来自于朋克，尤其是受到80年代早期美国硬核（Hardcore）音乐独立思想的影响。
第一批Grunge乐队（Green River, Mudhoney, Soundgarden）音乐上要比第二批（以Nirvana为代表）的要重，第二批乐队则更富旋律而且他们在吉他弹奏上采用明显的stop-start dynamics（这可能是吉他术语），这种易于识别的失真吉他弹奏方法成了该类型音乐的惯用手法。
在Nirvana成功步入主流后，Grunge音乐失去了原有的独立性，成为90年代Hard Rock最为流行的音乐类型。

Shoegazing

自赏（Shoegazing）是指80年代末90年代初的英伦独立音乐的一个流派，之所以叫做自赏是源于这些乐队的一动不动的舞台表演风格，当这些乐队在舞台上表演时只盯着舞台地板就好比一直盯着自己的鞋子，Shoegazing即自此而得名。
但是千万不要以为自赏就仅仅是从视觉角度进行的定义，它之所以代表一种音乐类型是特指这种音乐的纯粹声响。这种音乐往往带给你的是不可抗拒的喧吵并伴随着长时间低沉单调的吉他回复、扭曲失真的声波和一系列吉他回馈的层叠，人声和旋律消弥于吉他声墙中，营造出一种你完全分辨不出各种乐器音色的音乐冲击。
大部分的自赏乐队的音乐都以My Blood Valentine乐队音乐为模板，My Blood Valetine曾以早期的Ep和第一张专辑《Isn’t Anything》确立了Shoegazing的基本音乐模式，其他诸如Dinosaur Jr., the Jesus & Mary Chain, 和 the Cocteau Twins这些乐队也对此种音乐有主要影响。后来跟进的乐队，像大家熟知的Ride、Lush、Chapterhouse和the Boo Radleys都在固有的音乐模式下加入了自己的特色，如Ride就加入了60年代迷幻乐元素，而Lush则结合了介于流行乐和Cocteau Twins似的梦幻流行乐（Dream Pop）之间的音乐元素。
没有一支自赏乐队是做动态表演的，而且对媒体采访也不感兴趣，正因这些阻止了这些英国乐队进入重要的美国市场。在这些乐队占据英国音乐媒体和排行榜达3年之久后的1992年，经过美国的Grunge和本国由Suede乐队始作俑者的Britpop这两次浪潮，自赏乐队不再被公众给予关注，有些乐队（如Chapterhouse、Ride）几年内便宣告解散，而另外一些乐队（如the Boo Radleys和Lush）则与时俱进得以延续至今。

Lo-Fi

在80年代末到90年代初的这段时间里，低保真（Lo-Fi）一词不仅是对某张专辑的录音质量的描述而且本身也代表了一种音乐类型。
在摇滚乐的发展历史中，早期由于录音设备的简陋使得唱片在没有质量保证的情况下被快速而便宜地生产出来，因此在某种程度上来说，这些早期的摇滚唱片，如60年代的车库摇滚（Garage）以及70年代末的很多朋克摇滚等，都可以贴上低保真（Lo-Fi）的标签。
然而，低保真（Lo-Fi）渐渐被用来形容那些在家里用四轨录音机来录制音乐的地下独立摇滚乐手（队），这样的音乐大部分出自80年代的美国地下音乐，包括像R.E.M这样的乐队，同时也包括一堆像the Chills和the Clean这样的英国后朋克乐队和新西兰乐队。
通常这些低保真（Lo-Fi）乐队会利用简单的流行和摇滚歌曲或是自由的歌曲结构来达到其音乐中完美的噪音和艺术上的实验主义，即使当这些乐队的作品会保持相对的直接坦率，但是因其音乐录制的低质量、失真以及作品采用倾向于抽象、晦涩的歌词，其结果使得其音乐往往还是很不相同。
最初，这些低保真（Lo-Fi）作品只是以自制的磁带形式进行交易，但是在几个独立音乐厂牌的推动下有所改观，尤其是K Records（由Calvin Johnson经营）旗下的Beat Happening乐队发表了低保真乙烯唱片，同样采取此做法的80年代的几支乐队（如Pussy Galore, Beat Happening, 和Royal Trux）在美国地下音乐圈中获得小部分的追随者。到得1992年，像Sebadoh和Pavement以他们十足噪音和混乱无序的唱片在美国和英国获得了广泛的追随。几年以后，由Liz Phair和Beck对此种音乐进行“改良”后成功地将低保真（Lo-Fi）美学带入主流。

Post-Rock/Experimental

在90年代兴起的深受电声器乐摇滚影响的实验摇滚运动中，后摇滚无疑是占有统治地位的音乐类型。后摇滚音乐中集结了一大堆实验流派－Krauft-Rock、氛围音乐（Ambient）、激进摇滚（Progressive Rock）、space rock、math rock、tape music、简约古典（minimalist classical）、British IDM, jazz (both avant-garde and cool), 和 dub reggae，一句话简言之就是：音乐大部分架构在摇滚音乐上，但是它实质上不是摇滚音乐。
后摇滚给听众的音乐感受是与传统意义上的摇滚乐激励情感是完全相反的，它的音乐富于使人催眠和声响低沉单调（尤见于一些以吉他为主的乐队），即使相对亮色的音乐也使人感到镇定和醒脑。之所以如此是因为后摇滚当初就是反对摇滚的一种回应，尤其是当主流乐界对另类音乐的同化后更加如此，很多后摇滚乐队是在一个相同的意识下建立起来的，这种意识就是：摇滚乐已经丧失了自身的真正的反叛意识，并且很难从自身的陈旧模式和空洞姿态的窠穴中自拔。所以后摇滚拒绝一切与传统摇滚乐相关的东西。
后摇滚音乐着力于纯粹声响和音色远甚于对旋律和歌曲结构的沉迷，其大部分作品倾向于器乐，即使作品中有人声出现，也仅仅是作为整体音乐效果的一种附属。

后摇滚音乐基架的建立是在1991年两部竭然不同的里程碑作品的发表：Talk Talk乐队的《Laughing Stock》和Slint乐队的《Spiderland》。《Laughing Stock》是Talk Talk乐队从合成器流行乐转型后的顶峰之作，其音乐是对情境音乐（Ambient）、爵士乐（Jazz）以及简约室内乐（Minimalist Chamber Music）进行情绪化的、精巧的融合；而《Spiderland》的音乐则是充满深思的、bass-driven grooves、喃喃的诗化歌词、晦涩的结构以及极度的音量切换。这两部作品对很多后来的后摇滚乐队都产生过影响。
后摇滚一词则是由评论家所创造的。Post Rock一词最初是由Simon Reynolds在描述Bark Psychosis受到Talk Talk乐队影响的氛围音乐实验时使用，结果该词被应用于称呼那些不曾归类的从勇于打破既定传统的乐队（如Gastr del Sol, Cul de Sac, Main）到像Stereolab, Laika和the Sea and Cake这样的Indie Rock乐队（注：这其中不包括Slint乐队的仿效者）。后摇滚被公众承认是在来自芝加哥的Tortoise乐队1996年发表的第二张专辑《Millions Now Living Will Never Die》之后，这部作品也许是后摇滚各种实验元素所达到的最极至的融合。这样，后摇滚瞬间就为评论界提供了区分各种此类型下不同乐队（艺人）及其前辈们的方法，之后后摇滚迅速成为了同时代的独立摇滚（Indie Rock）的堂兄弟，集中在Thrill Jockey, Kranky, Drag City, 和Too Pure这些厂牌之下。
具有讽刺意味的是在90年代末，后摇滚获得了千篇一律的名声，一些人发现这种音乐缺乏感情令人生厌，另一些人认为后摇滚已经没有了当初的激进融合而变得众所周知，这其中部分原因应归咎于许多后摇滚乐队在他们的最初音乐理念上甚少变化。然而即使在这种倒退的情况下，新一轮的乐队（the Dirty Three, Rachel's, Godspeed You Black Emperor!, Sigur Ros）以其独特的声音获得了较为广泛的赞许，暗示着后摇滚这种音乐类型毕竟还未走到尽头。

Neo-Psychedelia

新迷幻包括了从朋克乐末期直到现在的一大批乐队，这些乐队的音乐均受到60年代迷幻乐的影响。不论他们的音乐是师从于像Beatles和早期Pink Floyd那样的迷幻流行乐、还是源于Byrds的吉他摇滚、甚或是扭曲的音响实验，这些乐队无一例外地都把迷幻药剂作为一种音乐灵感唤起的源泉，以此创造出不同寻常的声音。
一些新迷幻乐队的确是好吸毒的，而其他的乐队只是将毒品作为他们怪异歌词和出格外表的一种合理的补足。新迷幻音乐时而也能打入主流流行乐圈，如Prince的80年代中期的作品以及Lenny Kravitz的90年代的作品。但是大多数的情况是这些新迷幻乐队活跃在另类（Alternative）和独立摇滚（Indie Rock）圈中。
新迷幻最初是在70年代末英国后朋克运动中出现，那时主要的乐队是the Teardrop Explodes、Echo & the Bunnymen和the Soft Boys。除了80年代早期的Paisley Underground和90年代末期的Elephant 6 collective这样的新迷幻集中运动外，大部分后来的新迷幻乐队都来自于互相孤立的地区，而不是从诸如以上的音乐运动中产生。在这些后来的新迷幻乐队中比较著名的有：音乐空幻梦想的澳大利亚乐队The Church；由Nick Saloman领衔的Bevis Frond，他们把旋律化的诗歌创作和大音量的三重唱结合在一起；低调昏沉、毒雾阴霾的Space 3；诡异离奇的校园摇滚（College Rock）乐队Robyn Hitchcock；全然古怪的Mercury Rev和the Flaming Lips以及折衷的BritPop乐队Super Furry Animals。

Noise-Rock

Noise Rock派生于朋克摇滚，尤其是指那些用令人耳眩纷乱的电吉他声来表达年轻人焦虑和自负的朋克音乐。Noise Rock就像它的前辈“无浪潮”（No Wave）一样，其目的就是要让音乐更加碾磨化并以此达到一种滑稽讽刺效果或是表明一种立场、声明，而其音乐则总是诉诸于纯粹的声响能量。
尽管大部分Noise Rock乐队的音乐注意力是集中在由电吉他失真所产生的脱粒般的声响（有时这些乐队也会使用一些电子仪器来作为打击乐器或是增强音乐整体的不谐和），但仍有部分乐队更加关注于声响和歌曲结构的融合，如先驱乐队Sonic Youth当把音乐的富于旋律和其单调低沉的噪音相结合时，无疑将Noise Rock带入了更为宽广的另类音乐听众中。
Sonic Youth带来了一群模仿者，但这其中并不是所有的乐队音乐都像它，如80年代的The Swan和Big Black的音乐就有更为黑暗、阴森的倾向，而当时的Touch&Go厂牌在80年代末成为这种风格的音乐的中心；再如90年代Noise Rock衍生出一些戏剧性的分支类型，这些分支经常会被诸如“邋遢摇滚”（scuzz-rock）这样的词汇所形容，这种风格的音乐是用吉他噪音营造出一种肮脏、颓废、令人厌恶的声场（如Royal Trux, Pussy Galore, the Dwarves和 the Butthole Surfers）。

 

　　
　　小令尊前见玉箫，
　　银灯一曲太妖娆。
　　歌中醉倒谁能恨？
　　唱罢归来酒未消。
　　春悄悄，夜迢迢。
　　碧云天共楚宫遥。
　　梦魂惯得无拘检，
　　又踏杨花过谢桥。
　　
　　这首词记述的是词人在一次春夜宴会上惊艳的情
　　事。
　　起笔“小令”二句，写两人初逢的情境。“尊前”，
　　点酒筵；“银灯”，点夜晚；“玉箫”，指在筵席上侑酒
　　的歌女，典出唐范摅《云溪友议》，韦皋与姜辅家侍
　　婢玉箫有情，韦归，一别七年，玉箫遂绝食死，后再
　　世，为韦侍妾。词中以玉箫指称，当意味着两人在筵
　　前目成心许。在华灯下清歌一曲，醉颊微酡，“娇娆”
　　前着一“太”字，表露了词人倾慕之情。
　　接下来“歌中”二句，从“一曲”生出。在她优
　　美的歌声中痛饮至醉，谁又能感到遗恨啊！在她唱完
　　之后，余音在耳，筵散归来，酒意依然未消。“歌中
　　醉倒”四字统摄全篇：表面看来，这是说一边听歌，
　　一边举杯酣饮，不觉便酩酊大醉了；实际上是暗示自
　　己被美妙的歌声陶醉，被美艳的歌者迷醉了。一“醉”
　　字，点明命意，情韵悠长，并提引下片写的春夜梦寻。
　　“醉倒”，是心甘情愿的。“谁能恨”即无人能恨，与
　　柳永《凤栖梧》词“衣带渐宽终不悔”的“终不悔”，
　　有异曲同工之妙。词人醉得实在是太深太沉了，以至
　　宴会归来，仍酒意未消，而“未消”的不仅是酒意，
　　更有见玉箫而产生的绵绵情意。两句实中有虚，沉着
　　深婉。
　　过片后，紧接写“归来”的情事。小晏尚有《鹧
　　鸪天》词云：“归来独卧逍遥夜，梦里相逢酩酊天”，
　　可作本词下片的概括。“春悄悄，夜迢迢”意谓，春
　　意悄悄地潜进了心中，春夜又是漫无际涯。“悄悄”
　　二字，写春夜的寂静，也暗示词人独处时的心境。久
　　不成寐，更觉春夜迢迢，与上片短暂的欢娱恰成强烈
　　对照。“碧云”句，以天设喻，慨叹由于人为的间阻，
　　使两人不能互通心愫，侯门如海，要想重见就更是困
　　难了。一“遥”字，与《诗·郑风·东门之墠》“其
　　室则迩，其人甚远”的“远”字用意略同，并不是说
　　两人在空间上相隔很远，而是说在时间上的长别的深
　　意了。“楚宫”，楚王之宫，指代玉箫的居处，亦暗示
　　女主人公“巫山神女”的身分。这三句写宴罢归来的
　　刻骨相思，婉妙动人。
　　“梦魂”二语，是全词中警策之语。今夜里，词
　　人的梦魂，在迷蒙的夜色中，又踏着满地杨花，悄悄
　　地走过谢桥，去重会意中人了。“惯”，即惯常之意。
　　“谢桥”，谢娘家的桥。唐代有名妓谢秋娘。词中以
　　谢桥指女子所居之地。张泌《寄人》诗：“别梦依依
　　到谢家，小廓回合曲阑斜。多情只有春庭月，犹为离
　　人照落花。”晏词暗用诗意。两句宕开一笔，意味更
　　深，以缥缈迷离的梦境反衬歌酒相欢的现实，以梦魂
　　的无拘无束反衬生活中的迢遥间阻。末句“又”字，
　　用意尤深，赴宴时踏杨花过谢桥的是现实生活中的人，
　　再来却是虚幻飘忽的梦魂了。这一结能生能新，情韵
　　佳绝。据邵博《邵氏闻见后录》载，与小晏同时的学
　　者程颐，每听到人诵“梦魂”两句时，必笑曰：“鬼
　　语也！”意甚赏之。
　　

1997 Good Feeling
　　
　　英國的格拉斯哥真是個人文薈萃之地！先是有Del Amitri和Texas，現在又有這支令人驚豔的年輕潛力新秀樂團由該地掘起－Travis合唱團，這支每個人一聽到他們的音樂都會為之眼睛一亮的傑出樂團，藉著他們的首張專輯“Good Feeling”廣播了他們寓幽默人生觀於實力作品中的新音樂主義。
　　
　　Travis的雛型初步出現於1990年，當時主唱暨主要詞曲創作人Francis及貝斯手Douglas和吉他手Andrew都在大學裡主修藝術，在五歲時就對著媽媽說他長大要成為明星的Francis果然一本初衷地輟學專心寫歌去了；繼續完成學業的另外兩人在拿到學位後，也就理所當然地在Francis振臂一呼之下，與這位昔日同學共同實現他自幼即抱持的夢想。從小就沒什麼崇拜偶像習慣的Francis表示，出自他們筆下的作品具有絕對的原創性，不會重蹈別人已踏過的因循舊路。也因此，當Travis自掏腰包錄製的首張EP“All I Want To Do Is Rock”面市之後，他們清新自然的可愛氣質，加上Francis頗具大將之風的創作與演唱功力，立即攫獲了一紙國際大唱片公司的合約，這張Travis首度錄製的完整長度專輯“Good Feeling”於焉得以準備好在全球各地掀起一場風暴。
　　
　　“Good Feeling”專輯除了收錄樂團的成名曲「All I Want To Do Is Rock」之外，俏皮的「Tied To The Nineties」、抒情動人的「I Love You Anyways」、活潑幽默的「Happy」、輸送款款深情的「More Than Us」....等等，每一首歌曲都放射出絕對會讓你愛上Travis的高能量理由。
　　
　　1999 The Man Who
　　
　　1997年以全英Top 10專輯“Good Feeling（好感覺）”打響知名度，並因之廣受好評的四人搖滾組合Travis，在他們首次出擊之時即獲得好采頭，不但選自該專輯中的單曲「More Than Us」一舉打入Top 16，整張專輯前後還共計產生了五首Top 40單曲，足見他們可愛的親和力已然獲得許多聽眾的喜愛。在他們的首張專輯中，Travis以輕鬆寫意的態度演出結合民謠、搖滾與流行音樂的首首佳作，尤其是甚受本地聽眾歡迎的「All I Want To Do Is Rock」，營造出他們在樂迷們心目中可愛大男孩的形象；而在經過兩年的歷練之後，Travis在本張最新專輯“The Man Who”裡轉趨成熟抒情的走向，則更令人感動於他們的成長與更形內斂的深沉情感。目前此專輯榮膺專輯榜T04，並創下百萬張銷售佳績，更上一籌獲選Select雜誌99年度最佳專輯(Album Of The Year)。　　
　　
　　本張專輯標題名稱源於Oliver Sachs所著的一本描述精神分裂症的書“The Man Who Mistakes His Wife For A Hat”的前三個字，主唱Fran解釋道，會以這本書做為新專輯標題的取樣對象，是因為在第一張專輯推出後，有些樂評說他們多變的特性就音樂上而言，好像得了精神分裂症，於是他們就選擇以這本書做為新專輯的標題名稱來源。雖然專輯名稱顯示了樂團一貫的幽默感，但整張專輯所呈現出的風格其實是偏向較憂鬱的抒情走向的。首支單曲「Writing To Reach You」首週進榜即獲全英Top 14，描述心神相契的戀情透過Fran乾淨的嗓音，詮釋出甘醇而深情的感動；「Driftwood」一曲的民謠編曲，加上穿插其中的提琴演奏，蕩漾著復古的情懷與清新的感受，躍上單曲榜Top13；「Luv」的真心至情也藉由吉他的撥弄與口琴的曳行，划進聽者心房；而”Why Does It Always rain On Me”不但登上排行Top10，並被Q雜誌年終樂評評為99年最佳單曲(Best Single 1999)；最新單曲”Turn”再創新高一舉獲得Top8席次。每一首歌曲都深深打動人心的這張專輯，讓Travis以另一番純情面貌再度進佔樂迷的心。
　　
　　2001 The Invisible Band
　　
　　成名之後，人們會不會因而改變？這對Travis而言，揚名立萬只會令他們想隱形起來，群眾只要注意他們的創作，繼續在音樂裏找到感動、共鳴，這樣他們就心滿意足。
　　
　　97年從格拉斯哥到倫敦發展的四人樂隊Travis，從發行首張專輯"Good Feeling"開始展露其融合搖滾、民謠、流行的寫意抒情風格，恣意揮灑陽光般的神清氣爽，產生五首Top40單曲、專輯也得到Top10成績肯定。99年第二張專輯"The Man Who"，不慍不火的文人情懷獲得廣大共鳴，促使專輯躍上Top4席次並成為該年全英最暢銷的專輯，而一首首陸續發表的單曲都獲得排行好成績包括：「Writing To Reach You」（#14）、「Driftwood」(#13)、「Why Does It Always rain On Me」(#10)、「Turn」(#4)等，其中「Why Does It Always rain On Me」被Q雜誌評為99年最佳單曲，Travis以深入人心的詞曲意境見長，因此在2000年的全英音樂獎(Brit Awards)一口氣拿下最佳樂團、最佳專輯等大獎。
　　
　　獲得Oasis核心Noel Gallagher欽點為他最喜愛的樂團，Travis與Oasis聯手巡迴美國，馬不停啼的宣傳行程使Travis成名於歐美兩地，但享受盛名並沒有讓他們失去最真的本性，18個月的蘊釀，Travis 以全新作品"The Invisible Band"展現認真作音樂的態度，依然交由老搭檔Nigel Gordrich製作，呈現沉穩洗斂抒情詩篇，帶給人們聆聽後的滿足及喜悅，首支單曲「Sing」傾訴情人間應暢所欲言分享種種心情；太陽底下，人們生而平等的「Side」；紀錄著心情軌跡的「Dear Diary」；靈光乍現的「Flowers In The Window」；闡揚凡事往好的地方想的「Follow The Light」；「Safe」講的是從慘綠少年到成年蛻變；如夢縹渺的情歌「The Humpty Dumpty Love Song」...聽著Travis，就讓生命點滴化為雲淡風輕。
　　
　　2003 12 Memories
　　
　　全英音樂獎「最佳團體」、「最佳專輯」得主，第四張全新創作大碟！揚起優美感性的搖滾詩篇，深入人心的詞曲意境，無名狀的困頓得到解脫。
　　
　　1999年當來自Glasgow的Travis發表第二張錄音室專輯「The Man Who」時，遠遠超乎預期的熱烈迴響，讓他們彷彿從一個小城的地方樂團，搖身一變不僅成為英國的搖滾巨星，同時贏得全球各地樂迷的肯定。2000年的大半時間他們和老大哥Oasis一起巡迴以及前往美洲巡演中渡過，期間也完成了第三張專輯的歌曲創作，「The Invisible Band」在2001年問世，再度以優美旋律的搖滾創作，擄獲人心。
　　
　　全新的第四張專輯「12 Memories」發現創作內涵更寬廣更成熟的Travis，不僅在歌詞部份延伸觸角，音樂表現上也有不同於以往的改變。首支單曲『Re-Offender』探討了暴力與犯罪的連帶關係，深刻而確切的提醒，在憂怨唯美的曲調中，更發人深思；簡捷有力的開場曲『Quicksand』是所有喜愛Travis的人最熟悉的風格，那種清新悅耳又帶有些許憂鬱氣質的招牌特色，真讓人無法自拔地被吸引。專輯標題【12 Memories】卻只收錄11首歌，剛開始有點納悶，後來才發現有"暗藏曲"一首用鋼琴伴奏的慢版抒情曲，解除你知覺所有的平乏，感動到想大哭一場。
　　
　　2004 Singles
　　
　　對於喜愛英式搖滾的人而言，Travis當然是一支重要極具代表性樂團，四張專輯全部有Top10的銷售量（其中兩張是排行冠軍）。15首Top 40單曲、3座全英音樂獎肯定，唱遍各大型演唱會Glastonbury、Reading、V Festival…等等。
　　
　　一方面是回顧，同時也為下一個里程邁進，這一張單曲精選合輯「Singles」所收錄的17首歌曲，包含暢銷名曲『Why Does It Always Rain On Me』、『Writing To Reach You』、『Turn』、『Driftwood』等，及一首全新的創作單曲『Walking In The Sun』輕快的節奏配上優美的吉他和弦，緊扣心門。
　　
　　2006 ...

国内最常见的one700

日本的600 600=700

美国的600

SX-70 Alpha

不说了.上面写了..最爱..Sonar.....

SX-70 Model2就不写了.据说和Alpha没啥两样

等入手一部自己照了贴上来

 

挑一个买好了.配着玉手一起放上来

模影失焦—快照攝影與文化工業
　　
　　
　　這是一篇關於時髦人士中流行的攝影新風潮Lomography的調查報告，這股風潮是由一台叫Lomo的蘇聯相機所引發，它曾經是前蘇聯製造的普通相機，如今搖身一變成西方資本世界的時髦寵兒。本篇論文嘗試調查這股風潮在怎樣的基礎下竄起，又如何地暴露出人們對攝影的偏見。
　　
　　這股流行風潮始於1992年，由兩個奧地利的學生所發起，進而發展為全球年輕人之間的熱門話題。Lomography簡單說來，是一種生活態度。對愛好者而言，Lomo相機拍出的作品是否符合一般攝影的賞析標準，並不重要。重要的是，Lomo相機能夠讓他們忘卻俗世煩憂。我認為，Lomography風潮是根基於快照攝影文化，並加以重新包裝為新世代揭露自身的工具。Lomography強調攝影不須背負器材和技巧上的投資，只要抱持著隨興自由的態度，便可抓住充滿活力的一刻，甚至，可以將煩亂的日常生活，轉化為圖像般簡單易懂和容易掌握。
　　
　　本文希望藉由從攝影史的角度，為Lomography未來與其他研究面向的結合打下基礎。藉由回顧Lomography的原型，即快照攝影的發展史，我們可以發覺Lomography沿用了快照攝影的基礎，很快便能吸引眾多使用者，並突破快照攝影實踐和格局上的限制。但Lomography同時也陷入了快照攝影的困境，即僵化的表現方式。我們從中可發現Lomography無法真正突破人們加諸於快照攝影上的期待，反而更加確認了攝影不需要思考的偏見。Lomography在另外一方面也陷入快照攝影的商業化模式，以致於演變為「文化工業」，無法真正揭露新時代的感知方式，而僅成為新世代必備的流行商品之一。最後，藉由分析台灣的Lomography風潮，並以此推論全球的Lomography風潮，了解到新世代試圖以模糊失焦來對抗現實生活乃是造成這股流行的主要原因之一。
　　
　　關於Lomography的形成，首先要提到Lomo LC-A，這是Lomography的起源。Lomo相機在台灣翻譯成「樂摸」相機，取其Lomography的精神，想拍就拍，不用在意角度和取景。Lomo相機原先是前蘇聯的產物，由列寧格勒光學與機械聯盟於1980年代初期製造出品，以日本相機Cosina CX-2為模型仿製，是一台為了大眾需求而製造的陽春傻瓜相機。1991年兩個維也納學藝術的學生，沃夫岡．史川辛格（Wolfgang Stranzinger）和馬它斯．非格（Matthias Fiegl）到捷克旅行時，偶然在相機店發現了這台相機。一路上兩人隨意拍下旅途種種，意外發現Lomo相機能拍出具有獨特氣氛的能力，回到維也納後舉辦了場攝影作品發表會和小酒會，這台相機於是一夕之間聲名大噪。1992年這群志同道合的愛好者成立了Lomographic Society樂摸會社，並開始密切的影像交流。但是隨著1991年蘇聯瓦解，冷戰結束，前蘇聯的工業面臨轉型，列寧格勒光學也為了繼續生存下去而進行企業改造，其中一項便是裁撤沒有利潤的部門，相機製造部門名列其中。一開始史川辛格和非格只是零星收集市面上的相機提供給愛好者，但隨著愛好者日增，加上他們得知相機部門即將在1996年被裁撤的消息，火速向列寧格勒光學提出合作的企劃，並得到當時的聖彼得堡副市長普丁（今日俄國總統）的擔保，於是Lomo LC-A的生產線再度啟動，也讓原先被裁員的150位員工回到工作崗位。接下來兩位學藝術的學生也搖身成為跨國企業的總裁，在世界各地成立Lomo推廣處，他們稱之為Lomo大使，推銷Lomo相機。許多名人如阿拉法特、達賴喇嘛、三宅一生、摩比、杜可風等號稱是Lomo相機愛好者的一員。
　　
　　以上是關於Lomo相機如何從停產命運起死回生的小歷史，充滿著王子復仇記和民主必勝的勵志精神。Lomography一開始以歌頌和平的草根運動開始，立志以千萬張普通民眾的快拍照來研究以及記錄這世界。Lomo相機能夠回春的原因和1990年代初期冷戰消解的氣氛有著極大的關連。1992年樂摸會社成立後，積極從事影像交流，1994年更舉辦了第一次樂摸國際展「莫斯科與紐約」，超過一萬張以Lomo拍攝的兩個城市的照片，在莫斯科展出紐約的照片，在紐約展出莫斯科的照片，意圖藉由輕鬆快樂的快拍照拉近兩地人民的情感。Lomography初期的發展是浸淫在冷戰消解的狂喜中。
　　
　　冷戰結束後，以往神祕的前蘇聯國家如今降下她的鐵幕，彷彿是凍結了數十年的歷史，西方世界的年輕人在此找到他們誤以為的歷史遺跡。Lomo相機苦拙方正的外表，沈甸的重量，手動的操作方式，「百分百純正俄國風味」「手工打造」，跟資本主義社會流行的流線型、輕巧的全自動相機完全不同。湊近一聞還有地下室發霉的味道，讓一開始認識相機就是輕巧全自動的年輕人誤以為這是他們爺爺奶奶用的相機。甚至還有一個不知從何而來的傳聞，說這台相機是蘇聯間諜用的相機，雖然這項消息已經經過樂摸會社的發言人證實絕對是誤傳，但卻是Lomo相機給人聽聞的第一印象，也是台灣方面宣傳相機的利器。
　　
　　Lomo相機拍出來的相片，或是這群Lomo愛好者，Lomographers，意圖要拍出來以及讚賞的效果是，顏色對比強烈，有著速度感的光束，模糊不清和他們所稱的「隧道效果」，即因鏡片本身製造時的缺陷而有四周較中間為暗的效果。當時Lomo相機並不受到前蘇聯人民的肯定，因為拿來拍難得的黑海假期效果似乎並不理想，顏色有點奇怪，也不夠清楚。但相機本身的缺點在另一個時空卻變成它的魅力點，帶有迷幻色彩的相片受到資本主義社會年輕人的讚賞，在亞洲甚至被比擬為能拍出像香港電影導演王家衛的電影般的相片。於是Lomography的另一宣傳重點即是，任何人可以輕易地利用Lomo相機拍出有藝術味的arty照片。以往要耗費時日與金錢的藝術照片，用台小相機就可以達成。Lomography鎖定的使用者是一般的業餘拍攝者，平常利用全自動相機拍攝家庭快拍照的族群。這也是Lomography不斷強調，將藝術攝影下放給一般民眾，「這是藝術真正的民主化」。於是樂摸會社宣稱Lomography是一種新的攝影形式 （new way of photography），還擬定一套「十大金條Ten Golden Rules」的攝影守則以示與傳統快照攝影的不同（見附錄一）。
　　
　　「十大金條」真的讓Lomography成為一種新的攝影形式嗎？「十大金條」包括了「別想」、「動作要快」、「你不用事先想好你要拍什麼」、「你也不用設想你事後到底拍出什麼」、「從屁股那邊拍」等有別於一般教導攝影新手的攝影規則，意圖要攝影者從所有攝影規則中解放，鼓吹攝影者不要使用觀景窗構圖，伸手就拍。最後一條「別管什麼規則」，則是完全推翻其他的攝影規則甚至「十大金條」本身，強調拍攝時完全的自由。所以就樂摸會社的說法是是拍照的過程變得好玩，拍出來的照片也會出乎意料之外。他們聲稱「Lomo相機是一項讓藝術真正民主化的工具，讓所有的人都可以為生活中的每一刻面創造非凡及令人驚嘆的描繪。但與其說Lomography創造了新的攝影形式，不如說他們回到了原點，而他們也不過只是家庭快拍照的另一面相。當我們回顧小相機和家庭快拍照的歷史時，就可以發現Lomography所做的即是將僵化的家庭快拍照賦予新的時代精神。
　　
　　快拍照（snapshot）這個字是從獵人的辭彙中借來的。西元1860年約翰．賀斯契爾爵士（Sir John Herschel）在使用一連串快速曝光進行動作分析時用了snapshot這個字，但一直要到西元1880年代後，乾式底片的發展使得曝光時間變短後，這個字也才變成常用字彙。這個字得以普遍的原因跟業餘攝影者（amateur）使用簡單相機（simple camera）拍出來的相片有很大的關係（Steinorth 26-27）。西元1888年喬治．伊斯曼發表了第一台箱形、體積較小的“柯達”（Kodak）簡單相機。“柯達”跟以往的相機不同的地方是體積小操作方便，只要捧在手心裡按個鈕就可以拍照，機器本身並沒有觀景窗。當時的廣告標語就是「你只要按個鈕，其餘的交給我們」，拍完一百張後將整台相機交給伊斯曼的工廠進行沖印就可以了。雖然拍出來的品質普通，但還是相當受到大眾歡迎。伊斯曼在西元1889年將賽璐珞製成的可捲式乾式底片以工廠大量生產，業餘攝影的興盛於是從此開始。這種底片保證一定可以拍出成功的結果，並簡化了以往拍攝時必須攜帶大量溼版底片替換的步驟，也不需要馬上沖洗，使得攝影變得可親。西元1900年二月，“布朗尼”（Brownie）相機以美金一元的超低價進入大眾市場造成大轟動，“布朗尼”甚至是以兒童為促銷主力，包裝上印了卡通圖案，還在兒童雜誌上刊登廣告，可見其操作之簡單，就像件玩具。
　　
　　以往若是要拍照，得到攝影工作室任由攝影師擺弄，也因為溼版底片長時間的曝光，表情和姿勢都很僵硬嚴肅。自從高感度底片的研發、快門速度加快以及相機體積變小後，一般家庭就可以在任何時間和地點進行拍照，也改變了人們在相片中的表情。因為曝光時間縮短，以往難以捕捉的笑容和一瞬間的動作，變成大家競相攝取的內容，比如嬰兒的笑容，寵物表演才藝，家庭聚會時的歡樂場面等等。在柯達公司的廣告中，常見兒童和母親為家人拍照的情景，將大眾攝影導入家庭生活，變成生活必需品是柯達的商業策略，但也讓這類的家庭快拍照推向攝影史的邊緣地位。相對於以記錄歷史大事件或是尋求美學突破的其他攝影形式，身處在政治與經濟變化潮流之外的家庭快拍照，其形式在攝影史中是處在邊緣的地位（Holland “Introduction” 9）。不只如此，家庭相簿在家庭中也是處於邊緣的尷尬位置。班雅明就描述過家庭相簿是如何地被冷落在家裡最偏僻的一角，相簿內容有多愚蠢，而且頂多一年翻閱一兩次（Benjamin “Short History” 206）。當我們翻閱其他人或是比較每個時期的家庭相簿時，我們會發現內容都大同小異，在觀光名勝前的合影，畢業典禮時抱著花，或是過年圍爐的照片。
　　
　　法國社會學家布迪厄在他編著的《攝影：一門中眉的藝術》中以社會學的角度分析攝影如何形塑現代家庭，我們也可以從他的分析中了解家庭快拍照的形式是怎麼變得僵化。布迪厄認為攝影的傳統功能是家庭緊密團結的指標與工具，使家庭生活中的高潮更加隆重與不朽。拍攝家庭生活的高潮於是成為業餘快拍照攝影者最活躍的場合。家庭生活的高潮之一就是假期。日常家庭生活中，比如工作和家事，因為不夠特別，所以通常不會刻意拍下留念。另外一方面，擁有相機跟能享受假期一樣，象徵這個家庭的收入是否能夠負擔，是一種餘裕、可以控制經濟生活的象徵。慢慢地，外出旅遊的假期就約定俗地成為可以加強家庭感情的場合，社會認定拍照的好時機（Bourdieu 35-6）。蘇珊．宋妲就指出大多數人拍照並不是為了追求藝術，而像性和舞蹈一樣，是一種娛樂（Sontag 8）。尤其是彩色攝影，更是被當作“一種歡樂的科技，或，更甚至是一種可以讓派對重新不斷回味的科技”可以加強聚會的熱鬧氣氛和重要性，沒有拍照的聚會好像就氣氛凝重或不重要。有時候拍照本身甚至比聚會本身更來得有趣更令人陶醉，因為相機具有改變回憶的魔力，我們或許不知道相片裡的人為了什麼而笑，但我們可以確定的是他們笑得很開心（Bourdieu 26-7）。假期造就了攝影的普及，攝影則成就了一個快樂的假期。除了假期外，家庭生活的另一個高潮就是新生兒的到來。宋妲指出這個現象到最後演變成如果父母沒有為他們的孩子，尤其是幼兒時期，拍攝大量照片的話，好像父母不愛孩子一樣。有小孩的家庭擁有兩台以上的相機的比例也相當高（Sontag 8）。為孩童拍攝照片並分送給其他家族成員的責任則是分配給家庭主婦/母親，這也是為什麼簡單相機的消費族群鎖定在女性和孩童。女性沒有特別被鼓勵加入專業攝影師的行列，但是快拍照攝影卻不斷拉攏她們，拍攝快拍照成為一種家務，就像洗衣煮飯，“跟做派一樣簡單”（Holland, “Introduction” 7-9）。
　　
　　類似像布朗尼相機這樣的簡單小相機，強調的就是“簡單”和“可靠”，讓一般人也能容易地拍出清楚的相片。社會學家Don Slater認為這是柯達公司所達成的行銷革命。“簡單”指的是將使用者可操作的減縮到瞄準與按快門（point and shoot），“可靠”則是保證拍出來的相片一定會成功。Lomography的行銷計策則是相當類似，也是簡單可靠地就可拍出有藝術味的相片。但他們讚美的卻不是柯達強調鮮明清晰的相片，而是模糊怪色的相片。
　　
　　Lomography的美學來自於當代流行的科技電音、迷幻音樂文化以及藥物文化。模糊失焦，顏色偏離現實生活的照片是最能代表Lomography的照片。這個效果來自Lomo相機的自動快門裝置，Lomo相機並不是全部手動，其實還包含一個由電池控制的快門，它會延長光線不足時的曝光時間。比如拍攝光線較不足的時候，快門會持續開啟到底光充分曝光，這時就會聽到「第二響second click」，快門於是關上。這幾秒的時間內，有時甚至可以長達一分鐘，拍攝的物體若是移動，就會有速度感的光束，或是迷離的光暈。所以樂摸會社特別推薦使用者在室內以及夜晚拍攝，這都是地下音樂文化比較活躍的地方與時間，在他們官方網站的影像檔案庫中，就設有夜晚及酒吧文化的專題。2003年樂摸會社甚至推出新的商品，就是一個有附有紅綠黃等顏色的閃光燈來搭配Lomo相機，讓使用者可以在任何時間地點就拍出有迷幻風味的照片。
　　
　　Lomography的成功來自於它又再度加強了相機的魔力，一如產品盒上的標語「Lomo makes you happy」，Lomography把相機作為一種歡樂科技的商品作用再度回收使用。根據馬克斯對商品commodity的分析，一個商品有使用價值和交換價值兩個面向，使用價值指的是商品對我們的生活有不可或缺的必要性與實用性功能，交換價值則是以物品上施加的抽象勞力為基礎，被社會認定為有價值。相機的使用價值是跟紙筆一樣作為記錄的工具，如波特萊爾所說「作為科學與藝術的小女僕」（88）。相機的交換價值則是作為如布迪厄所說一種歡樂的科技，可以凝聚家庭感情，延長甚至賦予聚會歡樂的氣氛。樂摸會社宣稱「Lomo相機是你忠誠的朋友、幫手和可信賴的夥伴，幫助各行各業的人，在各種情況下，讓無聊的日常生活變得更刺激和多采多姿，讓世界變得讓人可忍受，更簡單」。Lomography一開始立志要用千萬張快拍照來記錄世界，但漸漸Lomo相機的交換價值凌駕了使用價值，迷幻色彩的相片組成的Lomo Wall，遠看是幅精心設計過的馬賽克鑲嵌畫，近看相片的內容不過是超級市場推車彩色的推把。
　　
　　這個符合新世代的攝影新美學，或者應該說，將迷幻美學帶給一般大眾而不僅限地下文化，就是Lomography所稱的「創意許可Creative License」。樂摸會社總裁之一沃夫岡．史川辛格在一次訪問中表示「你不是買這項技術，而是買一個概念」記者延伸說到「這些概念給你更多發揮創意的空間，或更正確地說，挑戰你的創意，忘記一切的成規」。就為了忘記一切成規來發揮創意，俄國以外的消費者必須多付130美元來購買Lomo相機（多附上兩捲底片和小攝影集一本）。這當然是行銷上的一大成功，但是也引來許多非議。一台低科技的普通相機在沒有廣告和商店促銷下，靠著口碑居然在全球賣出數萬台，就連原產國俄國也驚訝不已。俄國LOMO主任兼發言人札曼諾夫聳聳肩微妙地表示這是年輕人的玩意兒。對俄國的LOMO來說，相機的成功只是幫忙將俄國LOMO的名聲帶到國際，希望大家也能參考他們其他的產品，例如顯微鏡和望遠鏡。設在聖彼得堡的Lomo旗艦店，除了顯微鏡、望遠鏡、夜視鏡等光學產品外，還賣蘇打水、礦泉水和零食，但就是沒有賣底片。這似乎說明了俄國人還是無法了解西方人的品味。對他們來說，會買Lomo相機的人並不會想買顯微鏡，而他們畢竟是製造主流實用商品的公司，賣相機頂多提高公司知名度罷了。美國LOMO的副總裁馬克．李維丁則表示「我很驚訝樂摸會社居然能搞得這麼成功。他們賣的不是相機，而是別的。他們賣的是一種概念。那種嬉皮、很酷的活動。他們賣的是文化，一種假文化，隨便你怎麼叫。」
　　
　　更諷刺的是，Lomography雖然源自於俄國製相機，但俄國並沒有類似歐美的家庭快拍照文化。在Natalie Bookchin和Lev Manovich合作的攝影作品“Digital Snapshot”裡，他們得用電腦數位攝影“再發明”家庭快拍照，因為俄國並沒有這樣的傳統。「相較於美國人人都有台相機，個人歷史跟著柯達的歷史與演進並肩進行，在蘇聯並沒有這樣的大眾攝影文化。除非你有朋友是熱心的業餘攝影家，或是到專業攝影工作室，你才能拍到照。（138）」因為Lomography並不是源自俄國大眾文化，所以才會被批評是假文化，Lomography所形成的是阿多諾和霍克海默所稱的「文化工業」。根據兩人的分析，相較於源自民間的大眾文化，文化工業是以企業手法用「文化」包裝商品利益，回收重新包裝舊有和熟悉事物，為了促使大眾消費而使用討好的方式，進而影響消費者本質。換言之，文化工業企圖壓抑和規格化個人之間的差異性，並不能傳達出深層的意義。
　　
　　但是我們要注意到，家庭快拍照文化一開始就是被企業包裝的文化工業，雖然拍的是個人私密生活，但呈現在相紙上的卻是模擬廣告上的和樂家庭，攝影方式也被定型，好像非要模仿明信片上的風景，自己才真正算是拍了照。以家庭快拍照作為創作素材的法國藝術家玻東斯基在1971年的一項作品「D氏家族的相簿」中，照自己的意思組合朋友D的家庭照並用相片編排家族編年史，但他除了朋友D之外，相片上其他的人他都不認識，所以編出來的家庭史當然完全不正確。其中真實性並不重要，重要的是這些家庭照是集體儀式的見證，照片並不能告訴我們關於這個家族的任何事，它們只會帶我們回到我們的過去，回想起過去相似的經驗。家庭快拍照在企業的推進下，人們的生活經驗變得類似，而在相片中失去了每個家庭的獨特性。
　　
　　Lomography所提出的「十大金條」為的就是突破這些成規，不只在某些特殊時刻才拍照，不要模仿風景明信片拍照，不要管構圖，可是本身卻又變成另外一個限制。「十大金條」裡的「別想Don’t think」只是再度驗證人們認為攝影不需要思考的偏見。Lomography宣稱不會拍出跟別人大同小異的照片，但是看看使用者刊登在官方網站上的照片，每個人都拼命模仿「成功的」Lomography。樂摸會社還因應使用者的需要，推出有顏色的閃光燈，因為有許多使用者抱怨拍不出像網站上有奇特顏色的照片，似乎使用者比較熱衷實行第十條金條「別管什麼規定了」，而這不管什麼規定，只是給攝影者帶回到原來的拍照模式時一個好聽的藉口。
　　
　　到底Lomography是不是假文化，而Lomo相機真的不是古董相機卻一直被宣傳成彷彿是見證歷史的重要相機，這些對Lomo愛好者並不重要，Lomo相機給了他們修復古蹟、接近歷史的機會。此時我要借用布希亞對古董antique的分析來補足文化工業和交換價值所沒有觸及到的使用者心理層面。布希亞在他的《物體系》分析一種他稱為「新-文化症候群：修復古蹟」的現代人追求古物的心理。他認為人們追求已經失去實用價值的古物，是為了見證、回憶、懷舊和逃避，古物擁有一種氣氛價值，代表了過去的時間，於是古物比起新製品更接近真實authenticity、神聖、自然和原始知識，給了現代人追求活在其他時空的可能性。布希亞舉了一個建築師如何利用一座農莊廢墟的可用物，「修復」了一座又今又古的農莊的例子。建築師在挑選可用的建材（數量很少，也不具有建築的實用性）後，將這些建材和現代建材一起搭建起來，成了一座具有「共時性、貫時性和時代錯亂」的農莊。如果建築師只是剷平老農莊，重新蓋新屋，那麼其中歷史的真實性就會消失，也就不能滿足建築師深刻的需要。這個需要就是追求起源origin的渴望，這些老建材給了建築師像是偶像和護身符般的效果，它們不是單純的配件，而是一種文化記號，更象徵一種內在的超越。以往只能用世襲繼承的高貴地位，比如血統和出身，現在已經被物質符號所取代，以往古老社會地位的象徵，如今可以用新獲得的財富購得，不管物品真偽，品質是否良好，只要能滿足對起源、真實的渴望。結果是古物供不應求，現在只有贗品才能滿足對真實的幻想（Baudrillard 73-84）。
　　
　　失去歷史感的人們，面對不過十幾年前的物品竟有隔世之感，一台一九八○年代初期製造的普通相機，因為外型與功能竟意外變成西方資本主義社會時代錯亂的古物。因為手動操作，Lomo使用者認為他們更接近了攝影的原點，可以將機械介入的部份減到最低，但其實如果沒有電力控制的快門，也無法造就Lomography迷幻的影像。Lomography給了消費者可以用低價買到古物的錯覺，當消費者發現有了相機並不一定能拍出想要的影像時，樂摸會社又不斷仲介各樣的、已經停產的蘇聯相機還有便宜但功能有趣的玩具塑膠相機來轉移注意力，Lomography最後只能不斷消耗相機，而無法達到樂摸會社所承諾的將藝術下放給一般人民，只是培養出一批忠誠的消費者，在新商品中彼此交流。與其說Lomograpy是新形式的攝影，不如說是一種人際關係，攝影者在使用共同的相機下交換影像心得，其實跟一般的攝影俱樂部也很類似，只是Lomo相機給了他們低價與不同世代的新選擇，得以自己組成同好圈，而不需要加入已經形成的攝影俱樂部。而且使用Lomo相機可以象徵自己品味不同，被放在Lomo名人錄的一長串人名正是這新品味的監護人。
　　
　　本文最後的部份是關於Lomography在台灣的發展。Lomography在台灣一方面反應了台灣新世代的感知方式，另外一方面卻又暴露出人們認為攝影只是項興趣，只要用「玩」的就可以的偏見。
　　
　　台灣的樂摸大使在2001年時於台北設立，之後2002年高雄也有樂摸大使設立。台灣的樂摸大使算是密度相當高，在推廣活動方面也相當積極，2001年4月在台北逸之森畫廊舉辦了「樂摸癖－好攝展」，當時是邀請了各行業的專業人士共七人，包括建築師、設計師、時尚雜誌攝影師等等，使用Lomo相機來拍攝，當時中國時報報導的標題是「十九世紀相機捕捉二十一世紀世界」，當然不是這麼一回事。總之，類似像這種邀集各行各業專業人士的攝影展在亞洲Lomography發展初期相當普遍。隨著在時尚雜誌與流行訊息電視節目中頻頻曝光，並在誠品書店還有一些風格咖啡店設櫃販售，吸引不少年輕人注意，從樂摸大使成立到去年八月已經有超過三千多名會員加入。隨著人數增加，原先邀請專業人士開展的形態慢慢被一般的Lomo愛好者的競賽所取代，Lomographer的結構也比較不會像一開始屬於某種時尚小圈圈，因此台灣各地的風情紛紛攝入，北部的樂摸愛好者多是拍攝城市的風貌，南部則有本土風情，廟會和小學運動會紛紛入鏡。雖然拍攝主題不盡相同，但他們大多遵照「別想太多」「別管規則」的指示，高雄方面甚至舉辦了名為【我不思故我在】的展覽。
　　
　　這個看似有趣的標題其實暴露出台灣長久對快照攝影的忽視與偏見，我認為這正是Lomography能在台灣大受歡迎的原因之一。根據吳嘉寶分析台灣攝影的流變來看，我們可以看到Lomography在台灣被接受的脈絡。戒嚴時期攝影的主流是沙龍攝影，主題集中在風景花鳥，刻意避免觸及敏感的政治話題。1980年代則興起新聞報導攝影試圖改變台灣的政治環境，以攝影揭露人道關懷，主題則以原住民、勞工及本土風景為主。這兩類攝影也成為台灣攝影的主流，一般提到攝影，印象就是拍蓮花或是拍辛苦工作的人們。等到解嚴，台灣攝影又邁向第三階段，混合攝影和其他媒材的多媒體裝置藝術開始出現。第四階段，也是現在Lomography的主要族群，則是受到電視廣告、音樂錄影帶和電玩遊戲影響的年輕世代，他們以攝影為表現自身的方式之一，對於以往的攝影技巧和暗房技術並不是太在意。輕巧好操作的全自動相機更是大量女性投入攝影的領域。
　　
　　然而受到台灣的政治經濟環境影響，業餘攝影一直被認為用「玩」的，是一種興趣和嗜好，或是有錢人的玩具等等。台灣樂摸的宣傳一開始也是走這個方向，比如強調這是間諜相機（新外國玩具），以及將自己定義為城市游擊隊或憤怒的年輕人，聲稱自己反政府反美學，但看來只是對既有的權威不滿而套用的花俏名詞，拍攝的主題其實是年輕人的生活，對攝影本身並沒有太多反思，只強調數位攝影是一種假象，但看起來比較像是為自身產品的辯護。
　　
　　台灣較早對Lomography有所討論的破報記者丘德真則注意到東南亞地區發展的是一種「後殖民頹靡紀事」，因為1997年的亞洲金融風暴，以及一直困擾這個地區的國族認同問題，使得年輕人選擇用模糊和失焦的方式來抗拒現實生活。在一場港台合辦的展覽【B-side】，強調的就是看看生活的另外一面，積極快樂的一面，為苦於經濟蕭條的人們提供短暫的團體精神治療。Lomography一開始以外來商品的姿態進駐，後來卻被當地的使用者賦予新的意義，也可算是一種對文化工業的反抗。
　　
　　在數位相機以及精密相機盛行的現在，一台低科技相機居然也能受到歡迎，在了解到其背後的商業力量與意識形態後，我們可以了解到Lomo不過是相機市場的其中一台，比起相機本身，參與人員的付出更值得關注，未來這批人若能長久持續攝影活動，並不限制使用任何種類相機，或許會是一股新力量。2003.8.30
　　
　　
　　--------------------------------------------------------------------------------
　　
　　書目
　　
　　Adorno, Theodor W. The Culture Industry: Selected Essays on Mass Culture. Ed. J.M. Bernstein. London: Routledge, 1991.
　　
　　Albers, Pillipp and Michael Nowak. "Lomography - Snapshot Photography in the Age of Digital-Simulation." History Of Photography 23.1(1999), 101-4.
　　
　　Amelunxen, Hubertus V. and Florian Rotzer, ed. Photography After Photography: Memory and Representation in the Digital Age. Amsterdam: G & B Intl, 1997.
　　
　　Anonymous. "Management Brief: Swords Into Spectroscopes." The Economist 333.7892 (1994) , 81-2.
　　
　　Baudelaire, Charles. "The Modern Public and Photography." Classic Essays on Photography. Ed. Alan Trachtenberg. New Haven: Leete's Island Books, 1980. 83-9.
　　
　　Baudrillard, Jean. The System of Objects. Trans. James Benedict. London: Verso, 1996.
　　
　　Benjamin, Walter. "A Short History of Photography." Classic Essays on Photography. Ed. Alan Trachtenberg. New Haven: Leete's Island Books, 1980. 199-216.
　　
　　Berry, Lynn. "'Lomography' Clicks With Shutterbugs." Los Angles Times 29 Sept 1996, Column A1, 29.
　　
　　Black, Alexander. "The Amateur Photographer." Photography: Essays and Images. Illustrated Readings in the History of Photography. Ed. Beaumont Newhall. New York: The Museum of Modern Art, 1980. 149-153.
　　
　　Blumenthal, Holly. "Reviews of Lomo Kompakt Automat Camera." Editorial. Amazon.com. 14 May 2001. <http://www.amazon.com>
　　
　　Bourdieu, Pierre, Luc Boltanski, Robert Castel, Jean-Claude Chamboredon, and Dominique Schnapper. Photography: a Middle-Brow Art. Trans. Shaun Whiteside. Cambridge: Polity Press, 1990.
　　
　　Copage, Eric V.. "Devotees of This Camera Aim for the Unpredictable." New York Times 17 Oct 1999, New York Up Close sec. 14:6.
　　
　　Drake, James. "LETTER FROM VIENNA - A Camera That Really Opens Your Eyes." Business Week-European Edition 12 June 2000, 4EU2.
　　
　　Eccher, Danilo, Christian Boltanski, Paolo Fabbri and Daniel Soutif. Christian Boltanski. Milano: Charta, 1997.
　　
　　Fischer, Jack. "Quirky Russian Camera Gets Users to Loosen Up." San Jose Mercury News 2 Fen. 2002. <http://www0.mercurycenter.com/>
　　
　　Ford, Colins and Karl Steinorth. You Press the Button-We Do the Rest: The Birth of Snapshot Photography. London:Dirk Nishen Publishing, 1988.
　　
　　Gumpert, Lynn. Christian Boltanski. Paris: Flammarion, 1994.
　　
　　Hassner, Rune. "Amateur Photography", A History of Photography: Social and Cultural Perspectives. Ed. Jean-Claude and Andre Rouille. Trans. Janet Lloyd. Cambridge UP, 1986. 80-1.
　　
　　Holland, Patricia. "Introduction: History, Memory and the Family Album." Family Snaps: the Meanings of Domestic Photography. Ed. Jo Spence and Patricia Holland. London: Virago Press, 1991. 1-14.
　　
　　---. "'Sweet It Is to Scan…': Personal Photographs and Popular Photography." Ed. Liz Wells. Photography: A Critical Introduction. New York: Routledge, 2000. 117-164.
　　
　　Holliday, Taylor. "How Lomo Can You Go? --- A Soviet-Era Camera Captures Bleary, Mesmerizing Images And a New World of Fans." Wall Street Journal 11 Jan. 2000, 24.
　　
　　Horkheimer, Max and Theodor W. Adorno. Dialectic of Enlightenment. Trans. John Cumming. New York: Continuum, 1969.
　　
　　Jones, Finn-Olaf, and Tom Post. "Austrian Attitude." Forbes 176.14 (2001), 132-3.
　　
　　Liberson, Joshua. "A Holga Moment." Esquire 129.1 (1998), 24.
　　
　　Kendzulak, Susan. "Spying On Life With A Lomo: At Taipei's BML Gallery, Seven Artists Offer A Four-Colored Glance At The World Through A Soviet Spy Camera." The Taipei Times 8 Apr. 2001. <http://www.taipeitimes.com/news/2001/04/08/story/0000080927>
　　
　　Lazaroff, Bob. "FEATURES - Lomography - Who Says Photography Has To Be Serious? " Popular Photography. Apr. 2000, 98-9+.
　　
　　Lee, Vico. "Take a Look at Lomo." The Taipei Times 15 Dec 2001. <http://www.taipeitimes.com/news/2001/12/15/story/0000115924>
　　
　　Marx, Karl. Capital: a Critic of Politic Economy. Vol. 1. 1867. New York : Penguin Books, 1981.
　　
　　McMahon, Colin. "Humble Little Lomo Camera Has Become a Hit." Chicago Tribune 9 June 1999, Domestic and National News. <http://www.chicago.tribune.com/>
　　
　　Newhall, Beaument. "Instant Vision." The History of Photography: from 1839 to the Present. New York: The Museum of Modern Art, 1982. 217-233.
　　
　　Ostrovsky, Simon. "Lomo Plans to Preferred Dividends." The St. Petersburg Times 6 April 2001.
　　
　　Poynor, Rick. "Depth Imperception." Print 54.6 (2000), 40-3.
　　
　　Richards, Dan. "Yo, Shlomo! Lend Me Your Lomo!" Popular Photography Mar 1995, 43-4.
　　
　　Scherbakova, Anna. "LOMO Rides Fad Into Foreign Market." The St. Petersburg Times 27 April 1999. International Trade.
　　
　　Schneider, Jason. "Ask the Collector." Popular Photography Mar 1998, 40-5.
　　
　　Slater, Don. "Consuming Kodak." Family Snaps: the Meanings of Domestic Photography. Ed. Jo Spence and Patricia Holland. London: Virago Press, 1991. 49-59.
　　
　　---. "Domestic Photography And Digital Culture." The Photographic Image in Digital Culture. Ed. Martin Lister. London: Routledge, 1995. 129-146.
　　
　　---. "Marketing Mass Photography." Visual Culture: The Reader. Ed. Jessica Evans and Stuart Hall. London: Sage, 1999. 289-306. facsimile printing in Language, Image, Media. Ed. H. Davis and P. Walton. Oxford: Blackwell, 1985.
　　
　　Sontag, Susan. On Photography. New York: Anchor Book, 1977.
　　
　　Vanderbilt, Tom. " Cheap Digital Cameras Abandon the Ordinary." New York Times 18 Nov. 1999, G14.
　　
　　丘德真。〈lomo相機--打倒一切牛鬼蛇神！lomographer 的城市書寫--從美蘇超級城市對照相簿到後殖民頹靡紀事〉。《破週報》2001年11月16日至2002年2月24日。<http://www.pots.com.tw/weekly/backissue.htm>
　　
　　丘德真。〈游擊戰法挺進台灣 Damien & Lomographic Society Taiwan〉。《破週報》2001年9月21日。
　　
　　吳嘉寶。〈台灣攝影簡史〉。《「攝影透視；香港、中國、台灣」講座及座談會之講題與著作》香港：香港藝術中心，1994年。
　　
　　---。〈亞洲攝影文化價值的型塑〉。《影像的社會實踐》，2000國際專題學術研討會論文集。中華攝影教育學會。2000年。7-20。
　　
　　李嬉 〈紐約快遞：Lomo自動相機：捕捉瞬間的隨性特色，鏡頭寬、速度快、色彩鮮 展現生活草根魅力〉。〈無科技新型傻瓜相機：實驗性生活趣味，彈簧控制快門 每個鏡頭都成四分割動畫〉。〈隨興拍攝風 只為那一刻：模糊、脫焦、層次不明另類詮釋〉。《中國時報》。2000年5月12日。家庭消費。
　　
　　陳希林。〈19世紀相機 捕捉21世紀世界〉。〈疤痕放大 就像抽象的繪畫〉。《中國時報》2001月3月19日，藝文。
　　
　　
　　--------------------------------------------------------------------------------
　　
　　本文根據筆者（陳采瑛）於國立中央大學英文所的碩士論文“The Lomo Way of Taking Pictures: Snapshot Photography and Culture Industry”所改寫。承蒙論文指導教授易鵬老師、口試委員許綺玲老師和林建國老師的提問與建議，在此致謝。當然，本文所有內容由筆者負責。

 ＬＯＭＯ大哥ＬＣ－Ａ

为了在不同光线强度下都产生曝光正确的影象，照相机镜头有一可变光阑，用来调节直径不断变化的小孔，这就是所谓的光圈。在镜头固定的袖珍照相机上，镜头也没有快门装置，被称作镜间快门。快门打开后，光线才能透射到胶片上，快门给了你选择准确曝光瞬间的机会，而且通过确定某一快门速度，你还可以控制曝光时间的长短。在单镜头反光照相机（简称单反机）上，快门装置在机身内，正好位于焦平面的前面，被称作焦平面快门。如果不是这样的构造， 每次拆去镜头，胶片也就曝光了。

另一个所有照相机都有的部件是取景器。这基本上是一个用于观察和构图的装置，它使 得拍摄者能准确地把照相机对准被摄体，并决定对被摄体的哪一部分聚焦。

照相机的画幅 

• 35毫米单反机是最常见的一种照相机画幅    
• 袖珍照相机使用起来灵巧轻便    
• 中等画幅或卷片照相机具有大尺寸的胶片影象，其整体分辨率和质量都较高    

被摄体和光源  
被摄体需要有光源给予照明，这样才有被摄体的反射光透射过照相机在胶片上形成潜影。

镜头
一只结构简单的镜头可以是一块凸形毛玻璃，它折射来自被摄体上每一点被扩大了的光线，然后这些光线聚集起来形成连贯的点即焦平面。当镜头准确聚集时，胶片的位置就与焦平面互相叠合。 

焦平面
这是通过镜头折射后的光线聚集起来形成清晰的、上下颠倒的影象的地方。经过离照相机不同距离的运行，光线会被不同程度地折射后聚合在焦平面上，因此就需要调节聚焦装置，前后移动镜头距照相机后背的距离。当镜头聚焦准确时，胶片的位置和焦平面应叠合在一起。 

光圈
镜头光阑的直径可以通过转动光圈调节环来改变。光圈支配着到达胶片上的影象亮度。调节邻近的f/光圈数，光卷大小减小一半或增加一倍。光圈大小还影响景深。

快门
快门可以用不同的速度加以调整，它决定着胶片曝光时间的长短。调节快门速度盘上相邻的速度挡。就意味着延长一倍或缩短一半的曝光时间。叶片快门设置在光阑和镜头之间，或在光阑之后。按下释放钮时，其交叠的叶片弹开。而焦平面快门由两块依次开启的金属帘幕挡板组成。

取景器
袖珍直视取景器不能正确显示与镜头所看到的同样的影象。而单镜头反光照相机，光是通过一面镜子反射到取景窗里的。双镜头反光照相机，上面的镜头用于取景，下面的镜头则用于拍摄。

单镜头反光照相机的设计
普通单镜头反光照相机独一无二的性能在于其取景器的设计。被摄体的反射光经过镜头照射在一面呈45度角的反光镜上，然后光线向上反射透过聚焦屏进入五棱镜，光线在此经由安装在后部的取景窗透射出照相机。这就意味着无论安装在照相机上的镜头其焦距有多长，拍摄者透过取景器所观察到的场景与镜头所看到的完全一致。

光学原理     镜头的调节主要是指焦距和光圈的调节。大多数镜头都标有距离指示，告诉你镜头调焦的远近、景深范围的大小，以及清晰聚焦区域的宽窄。影响景深的三个因素是光圈，被摄体到照相机的距离，以及镜头的焦距。焦距最短的镜头对准无限远聚焦时，其最小的有效光圈能产生最大景深。也就是说光圈越大，焦距越长，被摄体距离越近，景深就越小。 光圈的调整是控制胶片曝光的一个重要因素。最佳光圈的选择有赖于景物所需的景深多少和快门速度的调定。快速快门能凝固被摄体的动作，避免照相机抖动影响景象质量，而慢速快门能产生模糊影象。 镜头的选择 选择快镜，也就是选择最大孔径的镜头，在低照度时，镜头的速度影响曝光。 聚焦和光圈 景深:被摄体周围适度清晰聚焦的范围对最终影象的出现起着至关重要的作用。为了充分利用镜头上提供的所有光圈，可把照相机固定在三脚架上，以防照相机抖动。这里所示的两张照片均采用相同的曝光量，但第一幅（下图）是按1/60秒、f/16拍摄的。此间所有其他光圈和快门速度的组合也能够产生曝光正确的影象。  f/光圈数和光圈大小 调定在某一f/光圈数时的任何种类的镜头能够透射过几乎相同 光量的影象，因为光阑直径直接与焦距相关，例如，一只80毫米的镜头在使用5毫米的光阑直径时，光圈必定调节在f/16上。因此镜头的焦距在除以光阑直径后，就得到相应的f/光圈数。 焦距标记 调节调焦环螺纹，镜头从照相机处伸出，随着调焦环的转动，通过放认对准固定参看符号的标记，你就可以发现正在调节的焦距。 光圈调节 向上转动光圈环至下一个f/光圈数（例如从f/4到f/5.6）,光圈大小减半（即达到胶片的光量减半）；向下转动光圈环至下一个f/光圈数（例如从f/4到f/2.8）。光圈大小增加一倍。 景深范围 随着镜头对被摄体聚焦，可在固定参看符号两边寻找对应于（或接近）己调定的光圈f/数，辨认焦距标记下相对的数值，便可决定有效景深。 景深的作用  光圈大小的改变：通过相同焦距的镜头对相同距离的被摄体聚焦，该示说明光圈大小的调整是如何改变景深的。一般来说，被摄体的前景深扩大1/3，后景深则扩大2/3，光圈越小，景深越大。F/2光圈的景深远远小于f/16光圈的景深。     被摄体至照相机的距离：即使采用同样的焦距和光圈，景深在一定程度上如何受制于被摄体至照相机的距离。被摄体距照相机越近，景深就越小。镜头对15英尺（4.5米）处聚焦所产生的景深比镜头对5英尺（1.5米）处聚焦所产生的景深要大得多。     镜头的改变：在相同物距 和光圈的情况下，使用不同焦距的镜头可改变景深，镜头焦距越短，最深越大，对于超广角镜（8---15毫米），景深非常大，以致无需调焦，因为每一级光圈的景深都是清晰的。     选择聚焦   （图2）然后，照相机针对中间人像聚焦，景深随之改变，最近的人像模糊。这是因为焦点向后移，景深 加大。此时，虽然照相机的位置没有变动，但最后的人像也较为清晰。 （图3）随着焦点移至最远的人像，景深不仅扩大到稍许模糊的中间人像处，而且使后面的墙落于实焦点上，当然，最近的人像此时非常模糊。 （图4）为了对从前景到后景三个人像都清晰聚焦，必须采用较小的光圈。在拍摄最后这幅照片时，光圈从f/2.8改为f/22，使中间人像成为主焦点。   图1）这组系列照片表现的是三个相隔3英尺（1米）的被摄体，其中最近的距照相机5英尺（1.5米）。四幅照片均使用带80毫米镜头的35毫米单反机拍摄，而且前三幅的光圈都为f/2.8。首先，镜头针对最近的人像聚焦，景深较浅。

35毫米照相机 

35毫米照相机无疑是目前最普及的机种。它体积小，重量轻，操作简直，而且往往能产生良好的技术效果，共普及带来了工艺、光学和设计上不断的革新，当代照相机己达到了一切性能自动化的程度。对于35毫米单镜头反光照相机使用者来说，不同焦距的镜头琳琅满目，具有广泛的选择余地。

自动化性能
自动对焦系统通常把位于画面中心的景物作为聚焦对象，并把它设想成照片的被摄主体。但是，如果被摄主体偏离中心；或者被摄体是透过或者被摄主体是被前景”框”起来的，对焦就会出现问题。

控制曝光的程序设计不同，自动曝光系统也不同。有的照相机是针对画面中心测取曝光量（假定被摄主体位于画面中心），有的照相机是从画面的各个部分取样，然后综合计算成一个平均读数。

其他的自动化性能包括胶片感光度识别系统（DX编码识别），它能根据印制在暗盒上的编码选取胶片的感光度，并相应校正曝光表，自动输入系统不仅提高装卸胶片的速度，而且每拍一幅照片输片系统自动卷过一个画面，连续自动卷片时，自动马达输片器能每秒卷片4张。

袖珍照相机
除了单镜头反光照相机，其他普级型的35毫米照相机指的是袖珍或瞄准了就拍的照相机。。这类照相机比单反机更加轻巧，但其固定式镜头是不可更换的。袖珍照相机的主要设计缺陷是，其透过取景窗所看到的场景与镜头所看到的并不完全相同。在近距离拍摄时，这会造成构图错误，比如在画面中砍掉了被摄体的头的上部。为了有利于对被摄体的进行准确的构图，大部分袖珍照相机在取景器中设有视差校正标记。

手动单反机
把胶卷装入手动单反机后，就可使用卷片杆将胶片卷至直起点位置，画幅与画幅之间也必须靠手动卷片，调整好光圈和快门速度后，内测曝光会发出正确曝光信号，手动单反机的调焦是转动调节器，把影象控制在聚焦屏上。

自动单反机
虽然诸如自动输片之类的功能简化了操作，但先进的自动单反机仍然有许多不同功能的调节器，以至于使用起来变得非常复杂。在选择这类照相机时，请检查一下照相机是否具有机械快门（以防电池失效），以及必要时能否不用自动聚焦和自动曝光功能。

普通袖珍照相机
普通袖珍照相机采用固定焦距镜头，一般为28毫米或35毫米小广角镜头。这类镜头不像单反机上的镜头是可以更换的，如果你想拍摄被摄体的特写，只能向被摄体靠近，如果这类照相机具有自动对焦功能，它是不可锁定的，那就不得不把被摄主体始终放置在画面中心。

手动单反机 

• 适合于技术上成熟的摄影师。

• 提高快门速度时，一般不能在两档之间调定。

• 无论使用何种镜头，取景器都能显示最后记录下来的场景。

• 手动聚焦允许你决定影象的哪部分落在焦点上。

自动单反机 

• 自动装片和卷片有利于快速简便的操作。 

• 自动曝光适合于那些对最终影象的技术性把握不感兴趣的摄影者。 

• 自动聚焦有助于视力不好的摄影者或在低照度下摄影。 

袖珍照相机 

• 对准就拍的性能使这类照相机适合于非技术摄影人员使用。 

• 取景器里的场景与记录在胶片上的并不完全一致，因此请使用视差校正标记进行构图。 

• 与单反机相比，大部分袖珍照相机使用起来比较轻巧灵便。 

高级袖珍照相机
高级袖珍照相机一般装有一只变焦镜头，其变焦范围为35----105毫米，这给构图带来了灵活性。这类照相机具有自动聚焦锁定功能，允许被摄主体偏离画面中心构图，另外，这类照相机不具有多种曝光模式，以便需要时不用自动曝光功能。

中幅照相机     35毫米袖珍照相机和单镜头反光照相机与笨重的散页片照相机之间，对许多专业摄影师来说，这是理想的机种。虽然不太笨重，但这类照相机有用大于35毫米的底片胶卷，能产生具有较高分辨率和影调质量的照片和透明片。 中等画幅的卷片照相机介于轻巧的 卷片照相机的优势 大多数卷片照相机采用可更换的胶片后背，这使得你能够在拍摄中途把彩色片改成黑白片，或者把负片换成反转片。中幅照相机不是按抓拍来设计的，在一般情况下，必须装在三脚架上使用。这类照相机大多采用透过镜头的反光取景系统，所以不论配用什么焦距的镜头，拍摄者始终能够在取景器上准确地对被摄体的构图。 许多型号的中幅照相机在顶部装有五棱镜取景器。 这样就可以进行眼平操作，而且它与35毫米单反机上的五棱镜作用一样，还能校正经由镜头形成的左右相反，上下颠倒的景象。如果，没有五棱镜装置，你就得呈俯视状固定照相机，然后拉起照相机顶部遮光板，在毛玻璃上取景和聚焦。但那时你所看到的是左右相反的影象。这会给构图造成较大的困难。 单反卷照相机 高质量的专业影象来自于大幅胶片影象尺寸。 胶片背后的可换性有助于快速，简便地把彩色片更换成黑白片。 从广延系统来说，机身仅仅是其中的一部分，它还包括一大套可互换的镜头，取景器以及其他附件。 6×4.5厘米的照相机 与其他中幅照相机相比，6×4.5厘米的单镜头反光卷片照相机在操作上较为轻巧。这类照相机能拍摄出高度为6厘米（2?英寸）即胶卷高度)，但宽度仅为4.5厘米（1?英寸）的影象，机身的核心部分可相应安装一系列不同的手柄，取景器、镜头和胶片后背，比标准的35毫米单反机更灵活。玛米亚645型照相机与哈萨布德照相机在外观相似，而且备有一系列相同的附件。 6×6厘米照相机 这种中幅单镜头反光卷片照相机也称作2?平方英寸照相机，它能拍摄出6 平方厘米（即2?平方英寸）的影象。有些摄影师热衷于此类画幅，而有些摄影师更喜欢矩形画幅的影象构图。从可靠性和耐久方面来说。许多专业摄影师宁愿选择左图所示的哈萨布一莱德照相机，这种照相机拥有一整套不同的镜头、胶片后背和包括五棱镜校正取景器之内的辅助取景器。 直视取景照相机 如果中幅照相机的笨重令你气馁的话，你不妨考虑一下6×6厘米直视取景照相机，测距仪调焦明显减少了照相机的总尺寸，减轻了这类照相机的总重量。这种照相机类似于一较大的35毫米袖珍照相机，除此之外还具有增大胶片影象尺寸的优点（约4倍于35毫米底片的尺寸） 6×7厘米照相机 6×7厘米照相机能拍摄6×7厘米（2?×2?英寸）的矩形影象，非常适合于风光摄影。在外观和操作上，它类似于一架放大了的35毫米单反机，但其通用的镜头范围没有标准的35毫米单反机那样广。而且由于镜头尺寸和产量方面的原因，其售价较昂贵。这种中幅照相机采有120或220胶卷。 6×9厘米照相机 这种卷片照相机能拍摄6×9厘米（2?×3?英寸）的矩形影象。大尺寸的原负片或原正片能保证优质的放大效果。该机种采用裂像测距仪取景系统代替通过镜头的反光式取景系统。因此重量大为减轻。其镜头是不可互换的，但有两种不同焦距的型号供选择。（第21页图3） 双镜头反光照相机 虽然双镜头反光照相机（简称双反机）在设计上十分合理，但目前几乎己停止生产。这种照相机使用与其他中幅照相机一样的胶片， 能拍摄6×6厘米（2?×2?英寸）的方形影象。它采用双镜头结构，两个镜头上下排列，固定在镜头架上，上面的镜头用于取景，下面的镜头用于拍摄。观察被摄体时，必须竖起遮光罩，俯视照相机。此外，防护罩中的放大镜有助于齐胸观察聚焦屏。

 

Lacrimosa是由作为主要的作曲者的生于德国法兰克福的Tilo Wolff与芬兰人Anne Nurmi所领衔的二重唱。Lacrimosa的音乐风格被定义为哥特、暗潮或是两者的结合。他们的音乐混合了重金属、哥特以及包括小提琴、小号在内的更多的古典音乐乐声，尽管贯穿于这15年的音乐发展过程中他们所使用乐器一直在改变。  Lacrimosa的歌词几乎仅仅使用Tilo的母语——德语——尽管自1995年的专辑Inferno开始每张专辑中都会有一、两首通常由Anne负责歌词的英语歌曲。芬兰语也在专辑Inferno中的Schakal这首歌曲里充当了简要的旁白引子，并且在限量版专辑Fassade中的bonus track中也有出现。他们歌词主要有关于孤独、悲伤、阴暗、绝望与爱。

Tilo Wolff与Anne Nurmi
Tilo Wolff生于1972.7.10，法兰克福。自幼热爱诗歌与音乐。还是学生时就曾经出版过乐迷杂志，并举行了自己的小号音乐会。18岁出版了自己最初的音乐制品：名为Clmor的卡带，其中就有兹后以Lacrimosa之名发表的Angst中的两首歌。 
Tilo最主要的音乐计划是Lacrimosa乐团，自1990年初试啼声至今已发行了9张专辑,他们的音乐融合了包括哥特、暗潮以及管弦音乐在内的多样的音乐风格。Wolff为几乎每一首歌作曲，策划及编写歌词，并担任主唱，钢琴演奏和每张专辑封面的创意工作。值得一提的是自1991年第一张专辑Angst到1999年的专辑Elodia，其封面完整地讲述了小丑与女神之间的恋爱故事。 

在Lacrimosa成立的同年Tilo创建了自己的唱片厂牌——Hall of Sermon/布道厅——独立处理乐队的经济事务而不用依靠其他的唱片公司。Hall of Sermon现在旗下拥有8暗潮乐队，包括Dreams of Sanity以及Girls Under Glass。 

 

 Tilo Wolff于1972.7.10出生于美茵河畔的法兰克福。 
　　有关他的童年、青少年以及他现在的私人生活，人们所知甚少。 
　　12岁时Tilo就开始撰写散文，并发表于各类文学杂志。 
　　他曾上过两所中学，但都中途辍学。之后他发行过一本文学杂志，但并不成功。 
 
　　他致力于音乐，最初的目的只是服务于自己的抒情诗文（可能是为了给它们配乐以及完善其韵律）。他学习小号和次中音号，举办小号音乐会，同时演奏钢琴和次中音号。 
 
　　1990年他发行了第一张限量的MC“Clamor”，这是改变他一生的重要事件。 

　　同年，他建立了乐队Lacrimosa。这个词是由两个拉丁文单词“lacrimae”（泪）和“mosa”（流淌、满溢）组成，可以译为“流淌的眼泪”。这名字也与乐队的小丑LOGO相吻合。另外，“Lacrimosa”也是莫扎特未完成的遗作“安魂曲”中的一节。 
　　这名字与Tilo Wolff深受古典元素影响的音乐风格非常相称，尤其是他后来的作品。一位评论家曾称他为“20世纪的莫扎特”，这于他是极其相配的称号。 
 
　　1991年，为了能够不受限制的实现自己的音乐理念，Tilo建立自己的厂牌“Hall of Sermon”----这是一个甚至危及到其生存的冒险行动（其实如果更好的用中文表达，也许应该说：这是一个可能令他倾家荡产的冒险行动）。第一张发行的专辑“Angst”以及其后的作品，直入听者内心，由此摆脱了生存危机（原文直译意为那时他做到了，不再受不幸的生存景象的冲击）。 
 
　　Tilo Wolff不受限制的个人音乐表达了内心最深处的情感，开创了完全属于自己的音乐之路，很难归于任何流派。现在Lacrimosa已经成为（德国）歌特舞台的开创新风格的领头乐队。 

　　1993年Lacrimosa举办了第一场音乐会，一年后，在“Satura”的巡演中Tilo结识了出生于芬兰的Anne Nurmi，当时她作为客座乐队“Two Witches”中的一员在音乐会的开始演出。之后Anne正式加入乐队，并为Lacrimosa的音乐增加了个人的元素。 
 
　　1996年Tilo得到了“Zillo”杂志“Alternative Rock Music Award”的最佳新人奖。此后乐队取得越来越大的成就，每次的发行都会列入德国官方的优秀流行歌曲选目。 
 
　　1997年Lacrimosa首次开始全欧洲的巡演，这是乐队取得辉煌成就的标志，其后发行了乐队的第一张现场专辑。 

　　1999年发行的专辑“Elodia”是乐队历史上的一个转折点（原作者注：个人观点）。Lacrimosa在这些年里风格的变化首次如此明显的表现出来。音乐开始于非同寻常的、强烈而又忧郁绝望的情感爆发，随着时间展开的音乐带给人们一个令人神往、难忘的，忧伤（这正是对现实的清醒理解）而又充满希望的对这个世界进行观察的成熟视角。 

　　Tilo Wolff的外型也再次清楚的反映了这种发展过程，他从一个黑暗的Gruftie（谁能告诉我究竟什么是Gruftie？在看与Tilo有关的资料已经好多次看到这个词了）慢慢转变为一个优雅内敛的Gothen（原作者注：请人们原谅我笨拙的比喻）。（Gothen又是什么东西？是“神”么？反正我已经理解了，作者为了表达强烈的对Tilo的崇敬，已经语无伦次了。） 

　　许多歌迷是从忧郁的“Elodia”开始进入Lacrimosa的世界的（我也是如此）。确实，这种发展不仅是极其明了的，而且der einzig mögliche Prozess der zum Leben (und nicht zu bloßer Existenz, die man betrauert) führt（谁能告诉我这个作者到底在说什么？我的理解就是，Lacrimosa对乐迷的影响也渗透到了他们的生活中，他们开始明白，生活并不是像人们通常认为的那样，只是一种“活着”意义上的生存，而是一种真正的生活。）也许许多歌迷并没有如此深入（这常常是很困难的）的理解和按照这样的方式生活(也许这正是我们的社会愈渐肤浅而冷漠的令人悲伤的标志)。 
 
　　Tilo认为卓别林曾给予他特别的灵感（也许是因为卓别林比他更好的表演了一个悲伤的小丑的角色？），Greenaway, Lnych und Kubrick (还有其他人么？)的电影也使他受益匪浅。他曾经说过，电影是他的另一个梦想，如果有朝一日够拥有一部Lacrimosa的视频，那么他将真正开始涉足一个新的领域。（现在他们已经拥有了一部Video，不过个人观点，他们最新的Lichtgestalt的视频没有以前那几个给我的印象深刻。） 

　　2004年Tilo开始了他的另一项目SnakeSkin，这个被他视作进一步开拓艺术领域的尝试。
Anne Nurmi 是芬兰人，在八九岁的时候就开始学习英语，因此英文的水平很不错，她的所有作品都是英文歌词，英语可以说是她的第二母语。 

在校时期， Anne 曾有过大约一年左右的唱诗班活动经历，这也给她之后在 Lacrimosa 里作为一个女主音的活动打下了基础。 

1987 年， Anne 与 Jyrki 在芬兰建立了一个叫做 Noidat 的乐队，演奏一些歌特乐曲，这个乐队就是后来的 Two Witches 的前身。 Anne 在其中担任键盘手。 

1988 年， Noidat 改名为 Two Witches ，并且活动得相当不错，成为芬兰的著名歌特乐队。此时 Anne 的活动大多与 Two Witches 有关，建议可以去这个乐队的官网看。 

1993 年， Tilo Wolff 邀请 Anne 参加 Lacrimosa 的 Satura 的巡演，并且在之后邀请她加入了乐队。 

Lacrimosa的第一张专辑，Angst，是一部忧郁而缓慢，并多少带有极微主义风格的作品，被键盘与绝望情绪笼罩，在有些片段甚至是疯狂与神经质的。在早期，透过歌词与音乐，Lacrimosa关注的是灰色的人性——恐惧、无助、孤独、虚无感、爱的可望而不可即的幻象与死亡。接下来的三张专辑Einsamkeit, Satura与Inferno表达了同样的主题。但是不时明快积极的音符出现在了阴沉的音乐中。在音乐上，这一时期的音乐特色是电吉他与贝斯的初步介入，以及越来越多的摇滚音乐成分被加入了最早的专辑中那种缓慢、基于键盘的音乐。 

随着Stille的发行，Lacrimosa创作出了可以被不费力地分类为“金属乐”的专辑，至此以后这一风格被他们有意地沿用。在夸张的交响音乐编排之上再辅以繁复的吉他——这一音乐风格成为了Lacrimosa的主要音乐模式，这也显示出了他们与“交响金属”这一音乐风格的乐团如Therion、Within Temptation的紧密联系。在音乐中对于人类情感中的灰暗面的表现被极大的削弱——如果说不是完全被抛弃的话，在Stille中还有一些积极向上的歌曲。 "Stolzes Herz" （高傲之心）与"Die Strasse der Zeit"（时光大道）就分别赞颂了个体的独立与文明的力量。"Die Strasse der Zeit"讲述了歌曲中主人公回溯被战争、贪婪与愚蠢所蹂躏的历史，直到他寻找到了希腊文明中年轻的希望与力量的一次旅程——歌曲的这一图景更多的提示了人们Lacrimosa音乐与尼采的关系而不是早期Angst音乐里面的忧郁阴晦。 

这之后的一张专辑，Elodia，减少了金属风格的吉他的出演任务，更多的安排了交响与古典音乐的编排，并且部分音乐由London Symphony Orchestra担当录制完成。呈现的是三幕歌剧的形式，Elodia成为了最流行的音乐话题。哥特的成分依旧有所呈现，尽管充满死亡与失去这一主题的后半部“歌剧”依然以对希望的肯定而结束。 

Elodia的音乐风格在2001年的专辑Fassade中依旧明显。这张专辑中包含了多样的音乐风格，从充满粗糙刺耳的金属声响的"Liebesspiel"（爱之戏），到轻柔舒缓的键盘音乐"Senses"（感知），到吉他与管弦音乐交相辉映的同名曲"Fassade"（表象）。Fassade被分为三部分分别排在了专辑的第一、五、八首的位置，这构成了Lacrimosa的主题的一次大的改变——他们从表达个人情感转而批判现代社会的弊病。然而，这张专辑最终以对个体独立性的肯定以及专辑中的主人公逃离社会告终。 

Echos成为了Lacrimosa音乐进一步发展的证据，吉他与其他的摇滚音乐成分在音乐中的地位不断降低，出现也逐渐减少，但是与此同时，古典音乐占据了越来越重要的地位。管弦音乐的编排也远离了在其他同时代金属音乐中常见的标准的交响编制模式，这在本张专辑的第一支乐曲——管弦音乐作品"Kyrie - Overture"（上主垂怜—序曲）中显示得尤为明显。Echos中的音乐也显示了电子与工业音乐的影响，这尤其明显地表现在"Ein Hauch von Menschlichkeit"（人性的触碰）这首歌中。总的来说，这一张专辑比之前发行的所有作品都更加个人化、“古典化”，更加平静柔和。不过，Lacrimosa并没有多少改变他们对于爱及其相关情感纠缠在哥特意识上的探索。 

Lacrimosa的第九张专辑，Lichtgestalt，很大程度上保留了Echos中的古典音乐倾向，但是同时摇滚的成分再次出现。这一倾向特别是在第一支曲子，Sapphire（蓝宝石），表现得很突出，起始是舒缓的古典音乐，大概到了乐曲的中段，驶入了一段强烈的金属乐段，乐曲的节奏加快，沉重的吉他接手下面的音乐，Tilo的歌唱转为了令人焦躁的吉他搓弦，紧接着是几分钟的尖锐的死腔的低语。这一乐段是Lacrimosa音乐走向上的意义重大的转变；这一唱法自十年之前专辑Inferno之后就再没有出现过。之后的一些欢快的乐曲，以及一首主要由Anne谱写并歌唱的歌曲（这是继Inferno之后Tilo首次真正与Anne进行的二重唱），和其他慢节奏的相对压抑的作品都相似地表现了对之前专辑风格的混合。 

Lacrimosa主要的音乐发展历程可以作如下概述：一切起始于Angst中极微主义风格的，缓慢的，键盘铺陈的音乐，吉他和其他一些金属乐的影响扮演了越来越重要的角色，直到Lacrimosa到达了Stille这一顶峰。之后，音乐的重心从吉他以及金属乐转换为了交响与古典乐段的编排，这一倾向在Fassade中格外明显。最终，Echos带来了音乐向个人化的转变并远离了之前的交响音乐倾向和音乐中沉重的部分，创造了一种混合多种音乐元素的独特而难以分类的风格。Lacrimosa的音乐发展步伐足够慢到每一张专辑都清晰可辨它与之前之后的专辑的联系，但是也足够快到让人无法相信Angst，Stille，Lichtgestalt竟然是一个乐队——Lacrimosa的作品

Now Line-up:
Vocals - Anders Friden
Guitar - Jesper Stromblad
Bass - Peter Iwers
Guitar - Bjorn Gelotte
Drums - Daniel Svensson


1990年，瑞典，一支伟大的乐队诞生了。为了实现年少时就曾有的梦想，吉他手Jesper Stromblad离开了原所在的乐队Ceremonial Oath，与Anders Friden, Anders Iwers (也是Tiamat乐队的成员)还有 Johan Larsson和 Glenn Ljungstrom构成了In Flames的雏形。乐队五名成员均有一个共同的愿望——能够开创一种既有优美的旋律，而且结构复杂和具有感染力，并不失重型的全新的重金属音乐。 

乐队成员们进行音乐创作的速度很快，不久他们就在Wrong Again唱片公司录制了In Flames的第一张样带。他们对唱片公司负责人谎称，除了第一张样带里的两三首歌曲，另外还创作了14首作品（实际上这些歌曲并不存在），这样才得到了Wrong Again公司的同意，他们立即进行创作，在一天时间里就将专辑《Lunar Strain》完成了。唱片在此之后不久发表了，在地下金属乐迷中获得了广泛的好评及赞誉。

自成立之初，乐队的阵容就不稳定，象Anders Iwers（Tiamat乐队的） , Mikael Stanne 和Anders Jivarp (Dark Tranquillity乐队的), Henke Forss (Dawn乐队的), Daniel Erlandsson (Eucharist和 Arch Enemy乐队的)都曾在In Flames待过。在《Lunar Strain》发行之后，乐队又发表了一张Mini-CD叫作《Subterranean》，该专辑喷发出极度残暴凶猛的火焰，但却是如梦般地令人着迷，这好象更为接近一些老金属乐队的风格。

 

终于，乐队签约在著名的金属厂牌Nuclear Blast旗下。1995年In Flames加盟Nuclear Blast后第一张专辑《The Jester Race》发表了，这张专辑向广大金属乐迷展示了来自瑞典的旋律死亡金属堡垒的“哥德堡之声”——细腻的吉他音色，华丽的旋律以及低沉暴虐的主唱。直到现在，《The Jester Race》仍被视为旋律死亡金属乃至极端金属最经典的专辑之一。In Flames取得了成功，他们用他们的音乐证明了这一点。

就在乐队进行录制专辑《Whoracle》期间，Ljungstrom和Larsson为了追寻他们其他的音乐理念，毅然离开了In Flames。这时，作为乐队好友的贝司手Peter Iwers和吉他手 Niklas Engelin临时加入进来完成了余下的录制工作，二者并最终成为了In Flames的永久成员。

事事难料，就在乐队圆满完成了在瑞典的巡演后，由于音乐上存在差异，吉他手Niklas 退出了乐队，因为他此时的注意力已全在Gardenian乐队上并更愿意待在那。In Flames随即在乐队的人员结构上作了重大的变动，他们决定把鼓手Bjorn换回到他的老本行上弹吉他，然后，从SACRILIGE乐队招来Daniel Svensson作为他们新的鼓手。这也是In Flames录制《Colony》专辑时的阵容。

《Colony》得到了广泛积极的好评，乐队在音乐的情感、重型以及结构上独树一帜的风格，是没有其他乐队敢于效仿的，不可否认，它在全世界同样取得了巨大的成功。

正是上张专辑的巨大成功，In Flames2000年的音乐专辑《Clayman》仍然沿此音乐路线而继续探索。“如果你不喜欢此种音乐，你也就不会喜欢这张专辑”Friden解释道。从有和谐弦乐但却似有某种不详预感的嗓音演唱的“Bullet Ride”，再到象圣歌速度般风趣的“Pinball Map”和只有短暂节奏的“Squre Nothing”，以及传统的In Flames攻击性风格的“Suburban Me”，《Clayman》是一部优秀的音乐史诗，它是2000年最值得期待的（该专辑在Fredman工作室录制，并已于2000年7月25日在全世界发行）。